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La Biennale Ouidah et sa programmation vertigineuse autour des « Arts et Cultures Vodun »

La Biennale Ouidah est l’une des plus importantes manifestations autour de l’art contemporain en Afrique. La Biennale de Dakar étant connue pour être le rendez-vous de référence autour de l’art contemporain sur le Continent Africain, la Biennale Ouidah se déroulant au Bénin pourrait devenir à son tour un rendez-vous culturel incontournable. Avec une seconde édition qui s’est déroulée du 25 juillet au 25 août 2024, les « Arts et Cultures vodun » se présentent comme étant un vivier d’inspirations aussi riches que vertigineux en raison de la richesse de la programmation. Celle-ci comprenait huit expositions, dont certaines se sont déroulées jusqu’au mois de septembre, réparties à travers différentes villes du Bénin. La Biennale Ouidah est le reflet d’un fort élan de créativité qui favorise la reconstruction de l’image du vodou.

Laboratorio Arts Contemporains, l’organisation à l’origine de cet événement a su mettre en lumière à la fois l’universalité et les esthétiques suscitées par le vaudou chez les artistes, que ce soit des musiciens, des cinéastes ou encore les photographes. L’action fédératrice de cette biennale ne se limitant pas aux communautés béninoises, elle a également attiré une audience internationale, tous conscients de l’évidence d’une proximité entre le Bénin et le reste du monde, laquelle se reflète dans le slogan « Si loin…si proche ? ».

Cet événement culturel au Bénin se distingue par une programmation éclectique incluant la majorité des disciplines artistiques (la mode, le design, les arts visuels (photographie, art plastique, cinéma), la littérature ainsi que la musique et la danse. Il en résulte alors un calendrier diversifié, rappelant par la même occasion que le vaudou se conçoit et se ressent à travers différents médiums artistiques et esthétiques : notamment à travers la musique, la danse ainsi que dans la singularité des costumes. Cette Biennale est spécifique dans la mesure où elle fédère de multiples expressions artistiques visant à interpréter le vaudou. 

L’hommage à Tatiana Carmine, un hommage à une force créatrice ainsi qu’à des esthétiques inspirées de la mer

   L’art contemporain en lui-même est un large champ d’exploration par excellence. Tandis que le vaudou peut se percevoir tel un univers dont seuls les initiés peuvent définir chaque pourtour. Les expressions artistiques désignées par « Arts et Cultures Vodun » nous entraînent alors dans une dimension où l’abstraction de la nature et du monde invisible font l’objet de multiples interprétations. L’exposition en hommage à Tatiana Carmine est le chemin le plus court pour comprendre cette dualité entre la communion des idées et l’interprétation personnelle. Une fresque murale réalisée par quatre artistes béninois : Simplice  Ahouansou, Midy, Kola, Togbe, Zansou et José à l’Auberge fleurie à Ouidah, donne une idée de la formidable créativité de cette artiste d’origine russe et de nationalité suisse. Il en résulte alors un mur avec des nuances de vagues, la couleur bleue étant prédominante. L’artiste peintre dispose de cette remarquable capacité à s’approprier une idée, de chercher à la restituer tout en y ajoutant une touche personnelle. C’est en cela que cette fresque interpelle, loin de la redondance, c’est un ensemble d’interprétations du mouvement des vagues, de la fluidité de l’eau, régit par l’élément naturel qu’est le vent, un hommage à Tatiana Carmine et par la même occasion un hommage à ce mouvement majestueux que la nature nous offre. De même, la créativité repousse les limites des palettes de couleurs, notamment par ses différentes nuances de bleu ainsi que les autres couleurs improbables qui se rajoutent à l’ensemble. Une même idée, différentes formes et couleurs, le vaudou est également cette source d’inspiration qui nous ramène à l’essentiel, à la force de la nature, dans sa fluidité et sa majesté. Chacun des quatre artistes ont également réalisé trois œuvres en plus de la fresque murale. Exprimant ainsi pleinement leurs personnalités à travers leurs styles respectifs, cet hommage est un riche alliage entre unité et diversité des perspectives.

 Suivre « Les pas perdus » de Roger Chappellu

L’exposition située à La Gallery sis à Cotonou du photographe suisse Roger Chappellu, traduit la sincérité de la démarche artistique dans la sublimation de la lumière. De prime abord, il pourrait s’agir d’une technique consistant à capter la lumière naturelle afin de donner des visages à des pierres ainsi qu’à d’autres éléments disposés minutieusement pour former des personnages. Mais pour le photographe, il s’agirait plutôt de reproduire une vision, car ses pierres, il les a recueillis lors de ces balades en montagne. L’artiste est doté d’une perception qui le pousse à déceler les expressions émises par les pierres, c’est ce qui les pousse alors à les cueillir et à reproduire à l’aide de la lumière naturelle cette vision contrastée.

Mais au-delà de cette forme d’art parfaitement concevable tant elle est sincère, il y a là une vérité criarde au-delà de l’esthétique suscitée par la lumière. Ces œuvres suggèrent que la nature nous regarde, qu’elle est plus vivace qu’on ne veut le croire. Le monde dans lequel nous vivons cohabite avec un autre. Les réactions suscitées peuvent être nombreuses : croyance, acceptation, remise en question ou scepticisme. Les œuvres de Roger Chappellu traduisent une abstraction qui met en évidence un autre monde. La plupart des expositions qui ont lieu durant la Biennale Ouidah sont une invitation à considérer les suggestions de l’esthétique naturelle du monde qui nous entoure, avec un affranchissement quant au monde tangible pour envisager ou même reconnaître l’évidence d’un autre monde, celui des Dieux et des ancêtres. Une exposition qui invite à envisager une nouvelle perception de la nature.

Exposition photographique : « Exposição RELIGARE – a Bahia no Benin » d’Arlete Soares, une nostalgie fraternelle

Des clichés en noir et blanc ou encore en couleur exposées dans la cour du Palais Agondji Ouidah. Une série réalisée par Arlete Soares (photographe de Bahia), immortalisant la visite au Brésil d’une délégation béninoise, comprenant Son éminence Daagbo Hounon Agbessi Houna I, ainsi que d’autres autorités religieuses et politiques, ainsi que des artistes du ballet populaire du Bénin – Ekpé. Une exposition qui rend compte de l’inauguration de la Casa do Benin à Salvador, ainsi que du rituel d’ouverture réalisé par Son éminence Daagbo Hounon Agbessi Houna I. Elles montrent également les rencontres avec des religieux dans les terreiros de Candomblé. Cette délégation a visité les terreiros les plus importants de Bahia, tels que Ilê Axé Opô Aganju, Gantois et Ilê Axé Opô Afonjá, en plus de Terreiro do Bogum, l’un des principaux lieux de préservation du Vodun. Les images révèlent les interactions entre les Bahanais et les Béninois dans ces espaces sacrés, dont les origines remontent au Bénin. Il figure également des images du voyage de la délégation bahianaise au Bénin. Ces photographies ravivent le souvenir de moments de célébration des retrouvailles entre peuples frères, après des décennies de séparation post-abolition. L’exposition RELIGARE vise avant tout à illustrer les liens profonds entre l’histoire culturelle de Bahia et la civilisation dahoméenne.[1]

L’exposition « Kosukosu » de Tognissè Aziakou, l’art de magnifier le sacré

« Kosukosu » fait partie de ces expositions qui révèlent toute la force de l’abstraction. Une fois photographiées par l’artiste, les statuettes en bois ne sauraient être perçues telles des objets inanimés, habillés à l’aide des tissus colorés. L’artiste a su révéler le caractère sacré qui leur est conféré, et ce en les mettant en avant de différentes façons. Ainsi, un changement de mise à échelle modifie la perception, l’amulette en bois devient alors une statue, rappelant ainsi que la taille originelle de l’objet sacré ne représente nullement sa signification et son importance. La sculpture s’accompagne alors d’une portée spirituelle magnifiée par une mise à l’échelle humaine. De même, l’omniprésence des trois statuettes à travers les différentes photographies, qu’elles soient posées ou encore tenues fermement dans les bras de cette femme âgée, témoigne de la valeur sentimentale qu’ils représentent pour elle. Des statuettes pour représenter l’omniprésence des êtres chers dans l’existence de cette femme. Cette dernière s’en remet à eux quotidiennement, d’où le cliché dans lequel les statuettes sont disposées tandis qu’elle consulte le Fa (un système de divination Inscrit en 2008 sur la Liste représentative du patrimoine culturel immatériel de l’humanité). La série de photographies réalisée par Tognissè Aziakou et exposée à la galerie Couleur Indigo à Ouidah, représente ainsi une dualité dans le caractère sacré qui est conféré à ces statuettes en bois. Loin de se limiter à l’évocation de symboliques rattachées à des objets, la démarche artistique révèle ainsi la haute considération dont ils font l’objet.

La Biennale Ouidah et sa programmation autour de l’art contemporain inspire une idée de diversité dans la représentation du sacré. Cette série d’expositions fait hésiter entre la recherche de similarités ou encore celle des singularités qui figurent entre chaque proposition artistique. Une troisième alternative parait également appropriée, celle de la recherche de la complémentarité. Cela apparait comme étant un chemin adéquat, permettant d’apprécier mais aussi d’appréhender ces différentes expressions artistiques. La Biennale Ouidah, par les thématiques qui la définissent : « Arts et Cultures Vodun », fascine, tout en repoussent les limites de l’abstraction.

Niry Ravoninahidraibe

Photo 1 : Hommage à Tatiana Carmine, Fresque murale, Auberge fleurie (Ouidah)

Photo 2 : Vernissage de l’exposition « Les pas perdus » de Roger Chappellu

Photo 3 : Exposição RELIGARE – a Bahia no Benin »d’Arlete Soares 

Photo 4 : Jumeaux, oeuvre issue de la série photographique  « Kosukosu » de Tognissè Aziakou

Photo 5 : Mystérieux, oeuvre issue de la série photographique « Kosukosu » de Tognissè Aziakou Copyright: Laboratorio Arts Contemporains – Biennale Ouidah arts et cultures vodun 2024 @Audace Aziakou – Rictus Mignonnou

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[1] http://www.terceiradiaspora.blogspot.com/

Un peuple sans culture n’en est pas un !

“Un peuple sans culture n’en est pas un !”[1]

Ce lundi 22 juillet à 22heures, nous prenons le chemin retour en direction de nos domiciles respectifs. L’exclamation d’un visiteur repris en titre de cette chronique nous accompagne le long du trajet. Il faut dire que la restitution des archives Evuzock (1963-1978) de Lluis Mallart” commissariée par le Centre International pour le Patrimoine Culturel et Artistique (ci-après CIPCA) fût un moment emprunt de solennité, d’émotions et de partage.

Dans le cadre de cette chronique, nous avons choisi de parler de cette exposition sous l’angle de la médiation culturelle. Pour cause, les visiteurs sont venus en nombre[2] assister au vernissage de l’exposition et le lieu n’a pas désempli pendant tout le déroulé[3]. Ce fait contraste avec les dynamiques locales. Au Cameroun, l’accès de tous aux arts et à la culture demeure un sujet dans le champ artistique et les institutions culturelles peinent à mobiliser pour les faits artistiques en particulier les expositions d’art[4]. Il sied de souligner au sujet de cette exposition qu’elle est visible du 22 juillet – 25 septembre 2024 au CIPCA.

La démarche du CIPCA portée par Dame Fabiola Ecot Ayissi et exécutée par une équipe à taille humaine (Hassan Fifen Njoya, Meke Meke Michel, Azazou) s’inscrit de manière générale dans la valorisation du patrimoine culturel matériel et immatériel d’Afrique. Elle est mise en œuvre par une approche de travail avec et autour des communautés. Cette ligne curatoriale a balisé les actions du CIPCA dans la mesure où l’exposition intitulée “NYAMODO/NYAMINGA – Porteurs de savoirs : Exploration des archives Evuzock (1963-1978) de Lluis Maillart ! Gulmerà” constitue la deuxième articulation du Festival sportif et culturel Evuzok (FESTIZOCK) célébré en ce mois de juillet 2024 pour la 05eme fois consécutive. Pour rappel, l’objectif visé par ce festival est la redynamisation des traditions et de la culture Evuzock.

Au plan curatorial, comment mettre en œuvre des processus de restitution ? est un champ en friche et une problématique d’une éminente actualité pour les institutions et acteurs culturels mais aussi une attente réelle des communautés. L’exposition susmentionnée sur le patrimoine Evuzock avec remise solennel de supports digitalisés de 13 000 archives au Monarque, AZUZOA, Patrice MELOM, Chef des Evuzok est un premier pas en vue de la réactivation de ces savoirs ancestraux en terres camerounaises. Cette restitution s’entend par ailleurs comme une opportunité réelle d’enrichissement culturel pour le peuple Evuzock et par extension la nation camerounaise. Les communautés Evuzock et le public établi du CIPCA sont apparus comme les cibles naturelles des démarches de valorisation du patrimoine Evuzock.

La curation du CIPCA après deux ans d’investigation des archives remise au CIPCA en 2017 met en exergue trois dimensions des archives disponibles : (1) Evuzok : identité – connaissances médicinales – moments clés de la vie (naissance, initiation, mariage et mort) ; (2) mémoriel (hommage rendu aux aïeuls jadis informateurs) ; (2) patrimoine matériel et immatériel. La densité des médiums mobilisés fût une valeur ajoutée dans cette exposition : éléments de textes en éwondo et en français, photographie, enregistrements audios en éwondo, vidéo de contes inspirés des chantefables Evuzok. La programmation mise en place par le CIPCA fût une pédagogie utile pour les besoins de présentation des processus ayant conduit à l’exposition leur présentée et du contenu des archives. Il fût intéressant de noter pendant la session de questions & réponses, la diversité du public présent (métiers, âge, sexe, origines sociale et culturelle) et sa bonne compréhension des défis posés par l’acculturation ainsi que des enjeux entourant l’exploitation de ces archives.

Il fût aussi intéressant de prendre note des perspectives évoquées par les communautés elles-mêmes pour faire battre le cœur de ces archives : la jeunesse comme cible principale ; la transmission par l’oralité (conte) ; et, la capitalisation des moyens humains (formation) et technologiques. Les partenariats tissés avec le FESTIZOCK, la mise à contribution des autorités administratives, la présence du CIPCA dans des espaces de production et de conservation des savoirs de premier plan au Cameroun et à l’international ainsi que la médiatisation sont autant d’outils tangibles de mobilisation, de vulgarisation et d’appropriation en milieu communautaire de notions plurielles du patrimoine. L’urgence de ces exercices de valorisation de patrimoine est retranscrite dans l’acculturation ambiante que cristallisent aujourd’hui la disparition accélérée des langues vernaculaires et les savoirs ancestraux dans la société camerounaise en brassage continu. Sally Nyolo rappelait aux camerounais lors de la présentation de Tsali Tsa[1] que le processus de l’oubli n’est pas seulement une retombée du passé colonial mais aussi une conséquence du brassage culturel ou métissage et de transformation des espaces naturels en un “monde de buildings”.

Dans un espace avec une si grande densité culturelle (Kamerun, l’Afrique en miniature), il est important dans cet exercice de restitution de faire de la diversité un mouvement fédérateur. Inscrire ce type de projets dans une perspective de consolidation de l’identité nationale[2] permettrait d’éviter l’écueil du repli sur soi et de l’essentialisation. Il est salué à cet effet, l’invitation à la restitution des archives Evuzok du monarque Batoufam par le CIPCA dont le représentant à cette manifestation culturelle vit en ces projets artistiques un vecteur du tourisme domestique[3] [voire une économie du tourisme en particulier l’éco-tourisme, en écho au propos de Sally Nyolo susmentionné[4]]. Également, le passé colonial nous invite individuellement et collectivement à apprendre de notre passé via la production d’archives (orales, écrites et numériques) ; la consolidation du construit social par le biais des arts et de la culture ; et, la prise de conscience au temps présent de la valeur de notre patrimoine matériel et immatériel. Dans le champ artistique et en particulier curatorial, il est souligné très clairement la centralité dans des espaces subsahariennes et africains d’un dialogue constant entre l’art et la société ; ce pour des raisons historiques et sociologiques. Pour reprendre Ikram Ben Brahim, l’Afrique a besoin d’imaginaires[5].

Par Raïssa NJOYA, Agence Créations Contemporaines.

#unartistenousparle

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[1] Exclamation d’un visiteur dénommé Colonel Mekulu qui nous a autorisé à le citer nommément dans cet article.
[1] Près de 200 personnes à vue d’œil.
[1] Talk – Chantefable – visite de l’exposition – cocktail dinatoire.
[1] L’art, c’est aussi de la pensée – Entretien avec Yves Xavier NDOUNDA, 2022. L’art c’est aussi de la pensée – Entretien avec Yves Xavier NDOUNDA (youtube.com), consulté le 23/07/2024
[1] Reportage sur le premier volume de la collection transmédia « Un soir au coin du feu », créée et réalisée par Sally Nyolo, Cameroon Radio Television (CRTV), Mars 2024 “Sally Nyolo ra-contre : entre réel et virtuel“ (youtube.com) , consulté le 23/07/2024
[1] Dans la doctrine, l’ouvrage intitulé « Régionalisation et action culturelle au Cameroun » commis par Remy MBIDA MBIDA postule que la régionalisation participe de la spatialisation fonctionnelle et efficace de la décision politique. La culture dans le processus de régionalisation en constitue le ciment.
[1] Lire aussi : L’urgence du tourisme domestique en Afrique, Beringer GLOGLO (Economiste, Fondateur du Cercle des Jeunes Économistes pour l’Afrique), 29 novembre 2021, Financial Afrik Tribune Économie du Tourisme: L’urgence du tourisme domestique en Afrique | Financial Afrik , consulté le 23/07/2024
[1] Op.cit (Reportage CRTV, Mars 2024).
[1] Ikram Ben Brahim, Maître-Assistante à l’Institut Supérieur des Beaux-Arts de Sousse en Tunisie, Intervention sur le processus de mise en place d’une exposition d’art, Série 111 : (re)penser les pratiques curatoriales en Afrique subsaharienne, Creations_Contemporaines (Prod) https://www.instagram.com/p/C8mlUvrooGy/?utm_source=ig_web_copy_link&igsh=MzRlODBiNWFlZA== , consulté le 23/07/2024

Poupée N., Grace Seri. Arsenic, Lausanne. 25 avril-28 avril 2024.

« C’est un simple poème

pour les mères les soeurs les filles jeunes filles que je n’ai jamais été

pour les femmes qui nettoient le ferry de Staten Island

pour les sorcières décharnées qui me brûlent

à minuit

en effigie

Parce que je mange à leur table

et dors avec leurs fantômes. »

Cicatrice, La Licorne noire, Audre Lorde.

Au seuil du rituel des réconciliations de Toyin, sujet du récit fictionnel poétique Poupée N. De Grace Seri, il y a, déposées, La Licorne noire d’Audre Lorde, La Charge Raciale de Douce Dibondo, Amours silenciées de Christelle Murhula, Voix de Linda Lê et Les perversions sexuelles de Félix Abraham. De la terre. Debout, un autoportrait de Zanele Muholi. Des invocations, à la fureur, à la noirité1, à la folie, aux voix-ouragans du silence, à la monstruosité, aux armes dont il a fallu s’emparer pour parler2. À celleux qui n’étaient pas censé.e.s survivre et qui ont choisi de ne plus s’excuser d’exister. Toustes guident Toyin à accomplir ce rituel, à (re)vivre la traversée, à écouter les voix des mort.e.s et des suicidé.e.s, l’Atlantique comme mémoire de la noirceur, « non/ lieu qui bouillonne à côté, ou au-dessous de toute ontologie discernable »3.

On franchit le seuil. L’espace s’étend. Fermé. Sur le mur, des portraits de May Ayim, Martha Ann Ricks, Teri Moïse, Ken Bugul, Victoria Santa Cruz, Saartjie Baartman, Aminata Sow Fall, Billie Holiday, Jeanne Nardal, Mbissine Thérèse Diop, Audre Lorde, Omoba Aina, Toni Morrison, Soraya Bonelli, Maya Angelou, Nina simone, Jessye Norman, Carolina Maria de Jesus.

Poupée N., Grace Seri. Arsenic, Lausanne. 25 avril-28 avril 2024.

1 La charge raciale, Douce Dibondo

2 https://www.lemonde.fr/culture/article/2023/02/08/zanele-muholi-l-appareil-photo-est-devenu-l-arme-avec- laquelle-je-parle_6160959_3246.html

3 Trans*itude de la noirceur, noirceur de la trans*itude, Marquis Bey. Trou noir.

« avec ta voix à mon oreille

avec ma voix à ton oreille

essaie de me renier

je te pourchasserai

À travers les veines nocturnes de ma propre addiction

À travers toutes mes enfances insatisfaites

Tandis que ce poème se déploie Comme les feuilles d’un livre d’images

Je n’ai plus ni soeur ni mère ni enfants

Seulement un océan sans marées de femmes éclairées par la lune De toutes les ombres de l’amour

Apprenant la danse qui s’ouvre et se ferme Apprenant une danse de tendresse électrique Qu’aucun père et aucune mère ne leur enseignerait »

Cicatrice, La Licorne noire, Audre Lorde.

Des portraits des ancêtres se déploient des fils de coton. À leurs pieds, une petite commode en bois, un téléphone à fil violet. De l’autre côté, posé sur un tabouret, il y a Lanieka, un chien en porcelaine. On parcourt l’espace. Ça pourrait être une chambre d’adolescente, une chambre d’hôpital, la cellule où les mort.e.s sont mort.e.s et regardent les vivant.e.s, ça n’a pas d’importance. Au centre de la pièce, il y a le miroir. C’est à travers lui que Toyin entre et sort d’elle(s)-même. Dans le passage/« trou noir »4 où elle(s) se voi(ent) pour la première fois. Dans le passage/« trou noir »5 où elle devient/est devenue Poupée N. N de négresse.

Poupée N., Grace Seri. Arsenic, Lausanne. 25 avril-28 avril 2024.

4 La charge raciale, Douce Dibondo

5 Ibid.

Poupée N. est un récit qui ne ment pas. Un récit de la blès. Celle qui condamne les enfants noir.e.s à désigner la poupée noire comme laide et à refuser de jouer avec elle avant, parfois, d’éclater en sanglots et de quitter la pièce face à la question des psychologues Clark : « Peux-tu me montrer la poupée qui te ressemble ? ».6 L’éclatement et la déshumanisation comme expérience a-originelle de la noirceur, la chair comme les traces du continuum de la nécropolitique blanche.

Grace Seri commence l’écriture de Poupée N. peu après la mort de Georges Floyd. La narration, petit à petit, s’impose à elle et son itinéraire commence à l’île de Gorée. De l’étouffement d’un homme noir en 2020 par des policiers blancs aux Etats-Unis à l’île-mémoire du crime contre l’humanité qui n’a pas de fin, suivre les pas de la mort.

Poupée N., Grace Seri. Arsenic, Lausanne. 25 avril-28 avril 2024.

« Dans la blès, j’entrevois la part presque indicible de la charge raciale, celle de la fracture, celle de l’entaille ontologique. Les comportements et attitudes que les personnes noires mettent en place dans leur quotidien sont doublées d’une épaisseur historique et traumatique qui les habitent. Dans un article passionnant sur la blès et l’esthétique qu’elle comporte, Patricia Donatien-Yssa, maîtresse de conférences à l’université des Antilles et de la Guyane, analyse le rapport des auteur.ice.s caribéen.ne.s tel.le.s que la Jamaïcaine Erna Brodber ou le poète martiniquais René Ménil à la blès et à la manière dont elle fonde leur écriture. (…) Selon la chercheuse, le rôle des écrivain.e.s consisterait à faire jaillir tout le pus psychologique qui se cache derrière le silence, le renoncement et le refoulement engendré par la blès. Elle est donc une façon de traduire l’intériorité d’un traumatisme et les dégâts produits sur un.e individu. Je ne peux m’empêcher d’y voir la part la

6 Le trauma racial : vivre le racisme dans l’intimité, Politiser la santé mentale.

plus secrète de la charge raciale. Elles se rejoignent là où le silence historique, sa transmission intergénérationnelle et l’impossibilité de dire le mal-être de la condition noire est inguérissable. »

La charge raciale, Douce Dibondo.

Poupée N. est un rituel des réconciliations parce qu’il dit l’inguérissable. C’est un rituel qui purge, qui salit, qui vomit, qui rit la noirceur au visage de la blanchité. Il ne s’agit pas de réclamer son humanité dont la seule voix serait un devenir-blanc.he mais d’être, multiples, à la fois fille, soeur et mère, menteuse, bestiale, ancêtre, défaite et morte-née, feu, désir et mort, déviante, fantôme et tellement incarnée qu’on peut lécher ta sueur rien qu’en te regardant. Dans Poupée N., rien ne s’achève, ni ne commence. C’est le propre de la blès. La réconciliation n’est pas alors un aboutissement mais un geste, toujours renouvelé, celui d’aimer l’inguérissable : s’humaniser, non comme un devenir-blanc.h.e mais comme un devenir-noir.e.

Poupée N., Grace Seri. Arsenic, Lausanne. 25 avril-28 avril 2024.

« Ceci est un simple poème

Qui cohabite dans ma tête avec des rêves de grande femme noire

Ayant des bijoux dans les yeux

Elle danse

La tête prise dans un casque doré

Altière

Couverte de plumes

Son nom est Colossa

Ses cuisses sont comme des colonnes

Ou comme des chênes écorchés

Enfermés dans son armure

Elle danse

Avec de lents mouvements qui secouent la terre

Qui soudain changent

Et s’illuminent

Tandis qu’elle tournoie en riant

Le métal ouvragé sur ses hanches

Disparaît

Et sur le bord brillant

Une surprise

De poils noirs et crépus. »

Cicatrice, La Licorne noire, Audre Lorde.

Texte photos par Aez Nana Pinay. 

Il est difficile d’écrire sur « ce qu’il se passe en France ». Tout d’abord, moi je n’étais pas là. J’étais loin. À Amsterdam, pendant que Nahel a été assassiné, pendant que Alhoussein a été tué, pendant que Mohamed a été tué, pendant les révoltes qui ont suivies.

Je n’étais déjà pas là pendant les manifestations contre le projet de retraite. Je regardais tout ça depuis mon smartphone, dans mon lit, au taffe, à la pause, dans les couloirs de ma formation, dans le métro, en bus, à vélo. J’ai scrollé en boucle sur ce qu’il se passe en France sur les comptes Instagram des amis et de contrattaque.

Cette fois ci, contrairement à George Floyd, pas d’engouement médiatique en faveur de la victime. Le contraire. Silence radio du côté des institutions de Gôche. Et déferlement d’un racisme décomplexé à tous les niveaux. Pour ce qui est du racisme de la sainte trinité Etat-Police-Médias, on savait déjà. Mais partout ailleurs les masques tombent. La voisine, le boulanger, les collègues de travail, les connaissances et même les potes qui, un peu éméchés et secoués par des jeunes de quartiers se mettent à dire un fond de pensée qu’on ne savait pas qu’il était là.

J’ai regardé la cagnotte de soutien du flic assassin grimper en flèche, j’ai scrollé les noms, les montants, lu les commentaires, les mots de « soutien ». J’ai vu la cagnotte de Nahel, j’ai fait la même. Je ne pouvais pas m’empêcher d’y voir une course, une compétition. Celle qui amassera le plus aura gagné. Mais gagné quoi ? De l’argent certes, mais y’avait autre chose. Un affrontement symbolique dont je peine à formuler les termes. Quelque chose comme la victime, l’innocent, le vrai, serait celui qui collecte le plus d’argent. Quelque chose comme ça.

Aux dernières nouvelles on était à 1million six cent mille pour le flic contre cinq cent mille pour Nahel. 

La solidarité de celles et ceux qui nous haïssent m’effraie^[1].

Le Deuil.

Pendant un long moment, j’ai évité d’en parler à mes ami.e.s. Je ne leur ai pas demandé « comment ça va ? ». Je ne leur ai rien demandé. Je ne leur ai pas dit mes condoléances.

Pendant un long moment, nous n’avons pas partagé notre chagrin.

Je n’ai pas partagé mon chagrin. Seulement avec Dieu – question de pudeur et d’impuissance.

A quelques personnes, j’ai avoué^[2] mes crises de larmes.

Avec d’autres nous avons débité de tristes constats politiques. … Nous avons surtout échangé des soupirs et des silences.  Nos cils alourdis par le deuil. Un deuil qui ne sait pas trop se dire. Un deuil sans mots. Pudique et bizarre qui nous consume mais qui embrase aussi les villes. Un deuil pourtant familier à force de l’assassinat répétés de ces inconnus qui nous ressemblent (rassemble ?).

Adama, Zyed, bouna, Lamine, Alhoussein, et tous les autres. « Tous les autres… »

Un désespoir profond.

Il se mêle au chagrin et à la sidération. A la peur aussi. Je tente d’écrire et les mots de Baldwin répondent à mon mutisme. Ce mutisme a contaminé nos rangs. On ne sait que dire, comment le dire, le décrire. Organiser la pensée pour dire quoi ? Pour créer quoi ? Pour quoi ?

Ce qui est atroce et presque désespérant, dans notre situation raciale actuelle, tient au fait que les crimes que nous^[3] avons commis sont si terribles et si indicibles, qu’accepter cette réalité mènerai littéralement à la folie. Alors pour se protéger lui-même l’être humain ferme les yeux, réitère compulsivement ses crimes et entre dans un obscurantisme spirituel que personne ne peut décrire^[4]

Ici il me semble qu’il faut lire : « alors pour se protéger lui-même l’état, la police, le flic, le gouvernement, ferme les yeux, réitère ses crimes et entre dans un obscurantisme spirituel difficile à décrire »

Le gouvernement, ferme les yeux, réitère ses crimes..

Réitère ses crimes.

Cette conscience profonde que Nahel n’est ni le premier ni le dernier.

Que d’autres sont à venir.

Qu’on fauche les jeunes hommes noirs et arabes de ce pays,

 Comme des épis de blés.

Sans complexes.

Le Fascisme en marche et la profonde décadence morale^[5] de ce pays me pétrifie. Les foyers de propagation fascistes sont toujours plus nombreux, toujours plus armés, toujours plus protégés et décomplexés. Les médias ont bien fait leur besogne. Les racistes se sentent pousser des ailes, et c’est avec un plaisir non feint que les voisins, collègues, connaissances, commercant.e.s, habitué.e.s du bar du coin, statuent sur la question et tranchent fermement en faveur de la répression^[6] : Le meurtre se justifie pour une conduite sans permis. Imaginez alors pour une émeute. Le plaisir, la sécurité et la fierté qu’ils éprouvent à savoir nos corps matés par la police et l’appareil judiciaire est à mes yeux insensé. Aux leurs, il s’agit tout au plus d’un spectacle. A la fois fascinant, rassurant et répugnant, comme on regarderait un dératiseur faire le sale boulot : il fait la besogne que nous n’osons pas de peur de ne pas savoir s’y prendre et se salir les mains.

Mais à tous ceux qui jouissent de cette prédation organisée sur les corps non-blancs, sachez Ces plaisirs violents ont des fins violentes. Dans leurs excès ils meurent, telle la poudre et le feu que leurs baisers consument^[7].

Le feu appelle le feu.

Les émeutes.

« L’engagement en faveur des émeutiers est un engagement en faveur de la destruction du monde dans lequel les catégories raciales sont pertinentes – emportant avec elles l’organisation de l’espace métropolitain et la division du travail qu’elles structurent. Le feu vient consumer des espaces qui, de toute façon, ne nous appartiennent pas – nous ne sommes pas chez nous dans ces HLM délabrés, ces écoles ne sont qu’au service de notre exclusion, ces transports en commun ne sont que le symbole de notre mise au travail et nos rêves brisés, ces commissariats ont pour seul fonction la violence sur nos corps. »^[8]

Après les images d’explosions des tirs de mortiers, les pillages et les voitures en feu, l’heure est à la répression. De la prison ferme pour des broutilles. De la prison ferme pour « donner l’exemple ». L’avocat Rafik Chekkat relève les peines prononcées lors de comparutions immédiates à Marseille : 4 mois ferme pour être entrée dans un magasin sans rien prendre, 10 mois ferme pour deux pantalons Hugo boss, 12 mois pour un projectile. La plupart des condamnations n’ont aucune preuve, on s’appuie sur les PV des policiers. La vérité n’a pas d’importance, on veut faire passer un message.

A distance, je patauge d’impuissance, et me sens glisser dans une apathie désespérante. Je sais n’être pas seul à glisser. Je rentre à St Etienne.

APATHIE = DANGER

Le capitalisme ne perd pas le nord

J’arrête pas de penser à ces devantures de boutiques dont les vitrines saccagées ont été remplacées par de l’agglo. Au début j’ai cru que c’était des tags de manifestant.e.s. C’est écrit en gros, c’est shlag, de loin ça y ressemble. Mais non. Les commerçant.e.s y ont tagué les pourcentages de soldes. Parce que pendant que certain.e.s trimballent leur seum et leur deuil, ben c’est les soldes. Jusqu’à -70%.

Ce n’est pas la vie qui reprend son cours c’est le rythme inexorable du consumérisme. Moi j’avais oublié l’existence des soldes. Et je me dis que les saccages, les pillages et les vitrines brisées étaient nos mausolées. Nos monuments funéraires à la fois somptueux et grandioses. Les révoltes sont des cérémonies funéraires sans pareil. Les dégâts et les ruines immédiates qui en découlent sont des lieux de mémoire.

 Même si très vite il n’en reste rien. Le capital recouvre nos trophées avec les mêmes peintures que nous utilisions pour le détruire.

Le cynisme de ces devantures m’obsède un peu.

Ni le premier ni le dernier.

Il est trop tard. Ils ne peuvent pas nous endiguer, ni nous tuer, ni nous renvoyer. Il est trop tard. Il n’y aura jamais assez de flics, de charter ou d’avion pour nous tous.tes damné.e.s . La France qu’ils défendent est déjà morte, ses valeurs enterrées. Son idéal ne finit pas de se compromettre. Le ver est dans le fruit depuis trop longtemps. La République pourrie dans ses remparts. La France, son gouvernement, ses institutions et une société civile toujours plus nombreuse s’enfonce dans la barbarie. Rien n’y fait, les anciennes colonies et leurs sales gueules s’invitent dans le paysage, crament tout, prennent la mer inlassablement pour venir s’échouer sur les rives d’un eldorado en rade de dignité.

Nous sommes les damné.e.s, tous autant que nous sommes. Et chez nous la mort n’est pas une fin, mais un passage, une transition. Nos morts font toujours partie du vivant, ils nous habitent et influencent nos pas. Leur souvenir embrase nos cœurs, soulèvent des révoltes, et peut-être nous ouvriront-ils à des chemins inconnus que le désespoir nous dissimule.

Les morts ne sont pas morts.

Aez Nana Pinay : Comédien.ne, Dramaturge, Metteur.euse en scène, Chercheur.euse. Diplômé.e Master Arts de la scène, Théâtres, performances et sociétés.

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^[1] Voir les mots de Djimi Diallo : « On a vu l’assassin de Nahel devenir millionnaire en quelques jours grâce à la solidarité de toutes celles et ceux qui nous haïssent. » dans Djimi Diallo, « Il n’y a plus rien à piller. », lundimatin#391, 11 juillet 2023. <https://lundi.am/Il-n-y-a-plus-rien-a-piller >

^[2] Je dis « avouer », comme un coupable. D’où me vient ce vocabulaire, et pourquoi ai-je honte de mon chagrin ?

^[3] Je suis toujours fasciné par sa capacité à dire « nous ». Comment fait-il, à cet instant, pour dire « nous » ? Dans ce « nous » il y a le meurtrier et la victime. Comment fait-il pour ne pas céder à la séparation. Dans son nous, il y a Emmet Till, ses bourreaux, et toute l’Amérique ségréguée.

^[4] Baldwin James, Blues pour l’homme blanc, Zones, 2020. A propos : «  James Baldwin a écrit cette pièce en 1964 en réaction à l’assassinat de son ami Medgar Evers, militant des droits civiques, abattu devant son domicile du Mississippi le 12 juin 1963 par un suprémaciste blanc. […]  » Dans ma pièce, écrit-il, il est question d’un jeune homme qui est mort ; tout, en fait, tourne autour de ce mort… ‘’

^[5] Pardon je suis Chrétien.

^[6] Faïza Zerouala, Racisme : « Après la mort de Nahel, mes collègues étaient en roue libre », Mediapart, 18 juillet 2023. < https://www.mediapart.fr/journal/france/140723/racisme-apres-la-mort-de-nahel-mes-collegues-etaient-en-roue-libre >

^[7] Shakespeare, Romeo et Juliette.

^[8] Djimi Diallo, « Il n’y a plus rien à piller. », lundimatin#391, 11 juillet 2023. <https://lundi.am/Il-n-y-a-plus-rien-a-piller >

10 juin 2023, 20:41 par Samir Ramdani.

INTRODUCTION

Ce printemps 2019, Olivier Dollinger m’a appelé pour me proposer de présider pendant trois jours le jury des diplômes de cinquième année de l’école d’art dans laquelle il enseigne. C’était un remplacement d’urgence, les délais étaient courts, je lui rendais service. Nous nous apprécions sans être très proches, nous nous connaissons depuis environ dix ans.

Je suis flatté, honoré. Je réponds oui, avec grand plaisir. D’autant plus que j’ai étudié dans cette école. La charge affective était forte.

Ce jury sera composé de Jean-Marc Chapoulie, Julie Béna et Rémi Parcollet, que je connais peu ou pas.

L’épreuve du diplôme se déroule sur trois jours. 

Les étudiants accrochent leurs œuvres dans différentes salles de l’école. Nous (les juré.es) allons de salle en salle pour voir les travaux. Dans un premier temps, chaque étudiant.e nous présente son travail, puis ensuite, nous échangeons avec lui.elle.

Entre chaque passage, le jury se réunit vingt minutes en huis clos pour discuter. Il y a quatre étudiant.es à voir par demi-journée. En fin de journée nous délibérons à nouveau sur chaque cas et statuons sur l’obtention des diplômes, des mentions et félicitations. Nous annonçons les résultats dans la foulée à chaque étudiant.e , un.e par un.e, en huis-clos, lui.elle face à nous. Les journées sont donc particulièrement longues et éprouvantes. 

À la fin des épreuves, le jury est tenu de rédiger un rapport à destination du Ministère de la Culture. Si mes souvenirs sont bons, ce texte doit donner son avis sur le niveau (général de la promotion, sur l’organisation et le déroulement des diplômes, sur les conditions d’accueil du jury par l’école, et d’autres remarques éventuelles)

DÉROULEMENT DES DIPLÔMES

Le premier jour, dès les premières délibérations les débats sont assez vifs. La première étudiante est française blanche non-Arabe et nous raconte, dans un diplôme ouvert au public, l’importance de sa conversion à l’Islam dans son travail suite à sa rencontre de son mari, un jeune Marocain. Durant la délibération, les remarques déplacées fusent, surtout de la part de Jean-Marc qui estime que : « Peut-être que le vrai problème, c’est qu’elle se soit mariée avec ce mec, qu’elle se soit convertie ». J’ai beau chercher, je ne trouve pas de justification intellectuelle ou pédagogique à de tels propos. Et à ce moment précis, je sens une appréhension pour les prochaines délibérations. Les passages d’étudiant.es s’enchainent… et plus ça va, plus les débats se passionnent entre moi et le reste du groupe. Les deux premiers jours ont été ponctués de plusieurs débats houleux. Pendant les délibérations du deuxième jour, le ton monte à plusieurs reprises lorsque je m’exprime sur des thèmes raciaux ou de représentation de minorités (des thèmes que j’ai l’habitude d’aborder et que je maîtrise), le ton monte, le ton monte, jusqu’au moment où Jean-Marc, en plein débat, excédé par un soupir d’agacement de ma part, hausse le ton de manière significative au point que je me sente menacé physiquement. Il me crie : « bah alors parle ! vas-y dis ce que tu penses ! vas-y dis ! vas-y dis ! » soit pour me provoquer, soit pour m’intimider.

Je lui rétorque : « j’ai rien dit ! j’ai rien dit ! J’ai rien dit ! »

Paradoxalement, c’est à moi qu’Olivier demande de me calmer. Et pas à l’agresseur. Personne ne réagit, personne ne recadre Jean-Marc, personne ne prend ma défense.

À partir de ce moment, je décide de réduire les échanges avec lui. Alors, je lui donne raison, j’acquiesce à ce qu’il dit car j’ai peur que le ton monte à nouveau. En cas de nouveau conflit, je ne pourrais visiblement pas compter sur les autres juré.es. Je me soumets désormais au jugement de mes collègues. Les discussions continuent et j’évite d’intervenir et me terre momentanément dans un silence. Intérieurement je suis très tendu, mes collègues continuent de débattre entre eux, prennent des décisions, et écrivent l’appréciation d’une étudiante. Quelques minutes plus tard mes collègues cherchent les mots pour une autre appréciation. Je propose une phrase. Jean-Marc me dit qu’il ne comprend pas, il répète ma phrase avec circonspection et scepticisme, j’ai à peine le temps de m’expliquer, qu’il passe à autre chose comme si ce que je disais n’avait aucun poids.

La tension monte en moi, je sens qu’il y a un problème entre nous deux. Juste à côté, les rares moments où je le croise, le regard d’Olivier est glacial et fuyant. J’ai une grosse boule au ventre. Plus tard, je ferai d’autres propositions de phases. Critiquées, refusées ou simplement ignorées, aucune ne sera retenue. J’observe quelque chose en moi : la qualité de mon français baisse avec la montée du stress. Depuis le début de la session, c’est de plus en plus visible. J’ai des trous de mémoire pour les références, je bafouille… 

Entre mes rares tentatives de participer au débat, dans ma tête, je ne pense plus qu’à une chose : je me sens exclu du groupe. Personne ne me regarde. Je suis éliminé. J’angoisse à mort. Nous devons encore statuer sur quelques étudiants, et je sens que ça va être compliqué. Et d’ailleurs, à partir de ce soir, ni Jean-Marc, ni Olivier, ni Rémi ne me demanderont mon avis sur quoique ce soit jusqu’à la fin du diplôme. Seule Julie me demande à deux ou trois reprises si je veux ajouter quelque chose après une présentation d’étudiant.es où chaque juré s’est longuement exprimé, ou pendant une pause entre deux passages. Quand j’accepte de prendre la parole, aussitôt, tout le monde se retire me laissant seul avec l’étudiant comme s’ils ne voulaient pas entendre ce que j’ai à dire. Les prises de parole de Rémi et Jean-Marc sont très longues. Elles se présentent comme des questions mais les étudiants ne sont pas toujours en mesure d’y répondre, étant donné la quantité d’informations, de commentaires, de considérations qu’elles contiennent. Et moi je suis là avec ma boule, et mon mutisme, à retenir mes larmes quand Julie me fait signe pour parler. Je n’arrive pas à savoir si elle fait ça par pitié ou pour cacher aux étudiants ce qui se passe. J’ai peur que les étudiants comprennent. Peu de moments dans ma vie m’ont fait me sentir aussi inapte, incompétent, incapable, inutile, lourd, idiot. Je n’écoute même plus ce qui se dit, je fais semblant, si je bouge trop les yeux je vais craquer. Entre deux passages, je vais vite aux toilettes pour pleurer un bon coup et je reviens tout frais pour continuer à faire illusion…

Vendredi matin 8h, j’ai dormi deux heures. Je bois mon café seul à la terrasse d’un café. Olivier passe, me voit et me rejoint. Fini la bise habituelle, il me tend la main. Gros silence. 

Je dis : je n’aurais pas dû venir, il faut que tu saches que là, c’est dur pour moi…

Il dit : Et pour nous, tu crois que c’est pas dur ? J’ai jamais vu un jury pareil (il n’en a fait que deux avant celui-ci).

Je dis : Moi j’ai jamais vu un prof appeler les étudiantes asiatiques en criant leur nom par la fenêtre en imitant leur accent.

Il dit en bafouillant : il y a des choses sur lesquelles nous pouvons tomber d’accord mais…

Je lui dis : Pour être clair, je vais rester, je vais finir ce travail, mais je le fais pour les étudiants, pas pour vous !

Les autres arrivent et nous arrêtons de parler du problème.

Pendant ces trois jours de travail, j’ai entendu Jean-Marc parodier les étudiantes chinoises en parlant avec un pseudo-accent chinois. Au minimum, à trois reprises.

Quand il faisait ces blagues il nous regardait avec un grand sourire comme pour nous enjoindre de rire avec lui, tout le monde souriait bêtement, sauf moi.

La punition auto suggérée :

Dernières délibérations, j’étais comme un Zombie.

Vendredi était le jour des formulaires à remplir. Il fallait rédiger une lettre pour le Ministère et recopier au propre les notes et appréciations, et peut-être d’autres documents que j’ignore, bref un travail assez long. Évincé, je n’ai participé à l’élaboration ou rédaction d’aucun de ces documents.

Voilà les possibilités qui s’offraient à moi :

• Essayer de participer aux discussions, ce qui était impossible étant donné que j’étais intellectuellement, moralement et physiquement disqualifié et diminué.
• Ne rien faire du tout. Ni discuter, ni remplir les documents (qui demandaient un certain temps). Ce qui aurait renforcé mon image d’incompétent, d’inapte, que les autres jurés construisaient sciemment ou pas.
• M’occuper de la mise au propre des brouillons sur les documents officiels, c’est-à-dire recopier bêtement des textes à la main. Un travail laborieux qui ne demande aucune réflexion et qui a l’avantage de limiter mon contact avec Jean-Marc et Olivier tout en montrant ma bonne volonté pour terminer au plus vite.

J’ai donc choisi la troisième option. Julie a aussi fait une partie importante de la mise au propre.

L’ATTITUDE DES MEMBRES DU JURY

C’est Olivier qui nous a invités, il travaille sur place. Il avait au moins moralement la responsabilité du bon déroulement de ce jury. Je pense qu’Olivier n’a pas fait son travail. Il aurait dû réagir vite et peut-être en informer la direction. Il n’a pas proposé de recueillir mon témoignage. Il n’a pas organisé de médiation ou de discussion. Son unique approche pour régler le problème était de me dire de me calmer et de me faire comprendre que j’étais le problème. Il n’a, à ma connaissance, jamais recadré Jean-Marc pour son comportement agressif. Ni pour ses blagues racistes puisque Jean-Marc a récidivé jeudi soir alors même que je l’avais notifié verbalement à Olivier le matin même.

Olivier a été témoin et complice de mon ostracisme et s’en est satisfait.

Olivier a été témoin et complice actif du fait que j’ai cessé de participer aux décisions du jury de manière progressive. Il est également complice du fait que je n’ai participé à aucune conclusion.

Il n’a pas posé les conditions de délibérations sereines.

Concernant Jean-Marc, il a été le premier responsable de mon éviction avec le soutien sans faille d’Olivier.

Jean-Marc a utilisé le mode de l’intimidation dans un contexte professionnel et officiel.

Dans les premiers moments où j’avais encore une parole entendue, chacune de mes interventions suscitaient un agacement très perceptible ; et particulièrement quand j’abordais des questions inscrites dans le champ des études décoloniales.

L’agacement a vite fait place à la remise en question systématique de tout ce que je disais.

Jean-Marc affectionne les parodies et blagues racistes, mais n’est pas en reste sur les réflexions sexistes ou homophobes que j’ai pu entendre au restaurant ou dans l’enceinte même de l’école.

Rémi Parcollet n’a pas été aussi actif qu’Olivier et Jean-Marc dans cette mise au ban. Cela dit, Rémi n’a jamais pointé le dysfonctionnement du jury et n’a rien fait pour arranger les choses. À chaque intervention, Rémi prenait longuement la parole, lui-même le reconnaissait. Il semblait satisfait de mon éviction. La première journée, nous avons eu quelques débats vifs sur des thèmes décoloniaux sur lesquels il est peu informé, pas compétent et très sceptique sur l’ensemble du champ de recherche.

Pendant mon silence, Julie Béna a été la seule à me proposer de prendre la parole deux ou trois fois en fin de discussion avec les étudiants mais jamais à des moments importants pour partager des prises de décisions cruciales. Nous avons eu avec Julie quelques débats vifs sur des thèmes décoloniaux sur lesquels elle est, elle aussi, peu compétente. Elle n’a aussi jamais pointé le problème et n’a rien fait non plus pour arranger les choses.

ÉVICTION D’UNE PAROLE

À propos de l’éviction de ma parole, les enjeux symboliques sont forts. En effet, comme évoqué plus haut, aucun de mes collègues de jury n’est compétent et ne s’intéresse au champ de recherche décolonial. À chaque évocation des problématiques de représentation de minorités ou des mécanismes de domination sociale, raciale, de genre, leur réaction était celle d’une mécompréhension et d’un rejet de mes observations. Des observations qui étaient vues comme une forme d’hystérie (« Samir, calme-toi ») provoqué par un tempérament trop émotionnel qui me rendait hors sujet et incompétent.

Il est difficile de ne pas y voir l’invalidation d’un domaine de recherche entier par le biais de la disqualification d’une personne. Concernant ce champ de recherche, il n’a, par ailleurs, plus à prouver sa légitimité au regard de son ancrage universitaire, artistique, culturel, ou au regard du contexte politique que nous traversons (phénomène #Metoo, immigration, décomplexion des comportements et paroles racistes). Ces juré.es ne voulaient tout simplement pas entendre parler de racisme institutionnel. L’idée selon laquelle leur monde de l’art puisse être traversé par des mécanismes de domination en tout genre leur semble être soit un fantasme, soit un sujet trop mineur pour être évoqué dans une école d’art ou lors d’un diplôme. Or j’ai constaté lors de mes différentes interventions en école d’art que ces questions étaient de plus en plus demandées par les étudiant.es. Que ce soit par les femmes (majoritaires en écoles d’art), les personnes racisé.es (de plus en plus nombreuses en écoles d’art) ou des étudiant.es non cis ou non hétéronormé.es, eux aussi, de plus en plus visible dans les écoles.

Dans plusieurs de mes interventions orales, mes collègues pouvaient comprendre que j’établissais un lien de compétence entre l’origine d’un.e étudiant.e et sa capacité à être pertinent.e politiquement. Autrement dit, c’est, par exemple, l’idée selon laquelle ce sont les femmes qui sont à l’origine des mouvements féministes et ce sont les personnes racisé.es qui sont à l’origine des luttes et pensées émancipatrices décoloniales…

Même s’il y a des exceptions, ce lien de compétence n’en est pas moins un fait sociologique mesurable.

Malgré son caractère de vérité historique et sociologique, ce lien est sans cesse remis en question par mes collègues. C’est aussi l’évocation de ce lien qui provoque les débats les plus enflammés.

La mise en lumière de ce lien est mal reçue par les intellectuel.les blanc.hes parce-qu’elle remet en question leur pertinence à parler des thèmes de dominations raciales.

Les arguments spontanés qui me sont opposés reposent la plupart du temps sur un héritage intellectuel très européanocentré que l’on peut qualifier d’universaliste et qui consiste à penser que tout le monde devrait pouvoir parler de tous types de sujets dans la bienveillance et bienséance pure qu’induit la liberté d’expression chèrement acquise. De prime abord, ce projet semble tout à fait louable et souhaitable. Après tout, c’est vrai, pourquoi un réalisateur français blanc serait critiquée pour faire un film sur les femmes Kurdes mais pour un public français ?

Peut-être parce que la lunette universaliste a pour principe d’ignorer les contextes particuliers de production, de pensées et d’images ? Que ce réalisateur transporte dans son regard son lot de réflexes orientalistes, de naïveté et de présupposés ? Que l’universaliste n’intègre évidemment pas l’acquis sociologique élémentaire qui nous apprend qu’un point de vue n’est jamais pur et objectif ? Que le point de vue d’un auteur est fatalement intéressé et inscrit dans un milieu qui le conditionne ? Et que les principes universalistes ont été les meilleurs outils rhétoriques de la propagande coloniale civilisatrice ? 

Dans les réactions de mes collègues jurés il y avait de ça.

Jean-Marc affectionne les blagues racistes mais il se sent aussi parfaitement capable de m’expliquer ce qui est raciste ou pas.

Dans leurs attitudes disqualifiantes il n’y a pas, à proprement parler, de racisme frontal évident. Eux-mêmes ne se voient surtout pas comme des personnes racistes ou discriminantes, et pourtant le résultat est là, sans appel. Quand on prend du recul sur la situation, dans ce jury de cinq personnes, c’est tout de même un drôle de hasard que la seule personne que l’on fait taire soit non-blanche et portant une parole critique anti-raciste. Autrement dit, puisqu’il y a un lien évident entre mes origines et mes compétences sur les questions raciales et sociales, et qu’il y a également un lien entre mon approche décoloniale de l’art et mon éviction, on peut conclure que mon ostracisme porte un caractère racial.

Ils auraient pu me dire : « Samir, tu vois du racisme et de la domination partout, et ça biaise ton jugement donc on ne tiendra plus compte de ce que tu dis. Entre nous, gens de gauche, il n’y pas de racisme car le racisme on sait le voir aussi bien que toi et probablement mieux que toi l’hystérique. Ne t’en fais pas, tout est sous notre contrôle ».

10 juin 2023, 20:31.

Le collectif Afrikadaa souhaite faire une mise au point à propos de l’affaire des jurés du diplôme de fin d’année des Beaux-Arts de Toulouse impliquant le texte de Samir Ramdani, intitulé Jury des diplômes à toutes épreuves publié dans le dernier numéro de la revue AFRIKADAA. Nous proposons également à la lecture sur notre site internet (ce qui n’était pas encore le cas) l’article afin que vous puissez l’apprécier à sa juste valeur.

– Samir Ramdani a écrit son témoignage 2 jours après la fin du diplôme en pensant qu’il était important de consigner des faits l’intimidation, du dénigrement et du harcelement dans un cadre officiel institutionnel sur fond de racisme. Samir Ramdani à hésité pendant un an avant de faire des démarches auprès de la direction de l’école pour signaler les faits énoncés. Cette dernière ne semblait pas au courrant de l’existence d’un problème.

– Samir Ramdani a donc demander à l’école une enquête administrative auprès de la direction des Beaux-Arts de Toulouse et du ministère de la culture qui encadre légalement les DNSEP.

– La direction a donc interrogé chaque juré. Les faits de comportements discriminants ont globalement été niés par les membres du jury à l’exception des imitations d’accent asiatique qui ont été confirmés par la seule femme du groupe Julie Béna, qui s’est d’ailleurs désolidarisé du droit de réponse.

– Suite à l’enquête, aucune personne n’a été sanctionnée.

Après avoir reçu le mél. de demande de « droit de réponse », le collectif AFRIKADAA a soulevé plusieurs incohérence de la part des membres du jury et des questions à propos de cet événement. Afin de s’auto-défendre de ce genre d’intimidation, veillez prendre connaissance de ces éléments :

1. L’article n’est pas publier sur le site internet donc ils ne se sont pas renseigner plus que cela.

2. Quels sont les compétences du jury incriminé pour juger qu’une question est   décoloniale ou pas ? Compétences basées sur des faits matériels (articles, oeuvres jugés par des pairs ou des critiques d’art, diplôme d’études sur la question décolonial, parcours militant etc.)

3. Quel sont les propos de Samir qui à pousser à bout ledit jury ?  La fragilité blanche est une technique récurrente dans ce genre de cas.

4. Si Mr. Olivier Dollinger a informé le directeur pédagogique, n’y a-t-il pas de preuve de cette échange par mail ou de compte rendu écrit comme il convent à la suite de ce genre d’information ?  pourquoi, ce document n’est pas soumis à l’appréciation de tous-tes ?

5. N’étant pas présent au moment du jury. Nous demandons un audit de cet affaire au sein de L’école d’art afin que les accusation de blague raciste de Jean-Marc Chapoulie et les attaques visant les membre du jury soit tiré au claire ?

6. L’article est une témoignage qui ne serait souffrir d’aucune censure ou rature de la revue d’art contemporain et cela vaut comme tout témoignage de guerre.

Collectif AFRIKADAA

6 juin 2023, 10:39.

Une demande de droit de réponse nous a été soumise à la suite de la publication du texte de Samir Ramdani, intitulé Jury des diplômes à toutes épreuves, au sein de notre dernier numéro « Racisme, discrimination, … Où en sont les écoles d’art ? ». Le reste du jury considérant que l’article « met en cause directement les personnes signataires de la présente lettre », voici leur droit de réponse : 

Olivier Dollinger, Remi Parcollet, Jean-Marc Chapoulie

Le 27 mars 2023 à 9h30

Par Etienne Taye

Au cœur du 17ème arrondissement, la galerie Carole Kvasnevski a exposé le travail de Ibrahim Ballo. Du vendredi 17 janvier jusqu’au samedi 25 février, ont été projetées sept de ses peintures, accompagnées d’une courte vidéo dans leur salle de projection au sous-sol.

Ibrahim Ballo est un jeune artiste né à Bamako en 1986, où il travaille et vit aujourd’hui. Il obtient son Master au Conservatoire Balla Fasseké Kouyaté en 2017, sous la direction d’Abdoulaye Konaté, dont il est l’élève. Cette exposition est une restitution de sa résidence au Couvent de la cômerie au centre Montévidéo, qui a eu lieu fin 2022 à Marseille.

par AFRIKADAA, le 4 février 2023 à 18:44

Couverture par Jay One

Edito [FR]

L’espace éditorial qu’est celui d’AFRIKADAA a toujours été pensé comme un espace refuge et de liberté. De montrer, transmette, parler, proposer librement. Nous le pensions réellement jusqu’au moment de créer ce numéro. De nous confronter à l’institution qu’est celle de l’école d’art en France. Un système comme bon nombre de témoignages le notent, idyllique à l’extérieur et pathétique de l’intérieur. 

Le titre de ce numéro hors-série est Racisme, silence, mobilisation… Où en sont les écoles d’art ? Nous n’aurions jamais envisagé que le silence exigé par les écoles d’art s’imposerait aux contributeurices-x. Malgré l’importance du travail entrepris par le collectif AFRIKADAA de créer cet espace refuge dans lequel a été mis en place suivi, soutien pour les passages de diplômes, aide théorique et bibliographique, etc. mais aussi par le fait d’être une plateforme en plus à aborder les problématiques liées aux espaces pédagogiques des écoles d’art ; nous nous sommes vues-x face à l’auto-censure. Celle-ci provoquant mutisme, retrait, anonymat ou détours langagiers. Malgré tout, nous avons essayé de travailler avec cette réalité et de proposer ici une introduction à un travail en devenir. Pour être tout à fait sincère avec vous, ce constat prégnant impacta toute l’équipe. Lors de réunions de relectures collaboratives, combien d’entre-nous durent prendre une pause face à la succession de témoignages relatant des faits impactant le plus profond de nos êtres ou alors de nous voir nous dire à quoi bon faire ce numéro si nous ne pouvons en sortir quelconques utilités pour les étudiantes-x ou pour quelconques changements profonds des lieux pédagogiques en art. La sortie et la faisabilité de ce numéro furent à maintes fois remises en question ; de même que la portée de celui-ci. Après ces quelques allers-retours réflexifs entre nous, nous avons décidé de nous servir de tout cela comme de base à notre recherche pour ce numéro. Et de prendre cette étendue éditoriale comme une possible et idéale école qui s’appréhenderait en quatre espaces. Le premier concernant le corps professoral et la production de nouvelles pédagogies ; un second, plutôt à rôle de soin et de bienveillance pour accueillir la parole des étudiantes-x ; un troisième, relatant les actions menées par les directions d’école d’art et sur demande étatique de créer de nouveaux postes professoraux liés aux études décoloniales et/ou postcoloniales, de genre, entre autres mais aussi par une volonté plus inclusives de ces espaces pédagogiques – cependant étant encore loin d’être des propositions suffisantes et impactantes, nous proposons de réécrire une histoire plus inclusives avec des lieux alternatifs tels que le projet de bibliothèque augmentée, projet que nous aimerions, suite à ce numéro mettre en place en collaboration avec les étudiantes-x de plusieurs écoles en France, pour ne pas dire toutes. Et pour finir un dernier espace qualifié de transgressif, dans lequel nous saluons les approches par le hors-sujet et l’autodidactie. 

Ce numéro et donc l’école naissante proposée ici est loin d’être parfaite mais à appréhender comme la première étape d’un travail, comme déclaré plus haut, qui on l’espère sera suivi par des actions concrètes en école d’art. Mais ce que nous sommes sûres-x, c’est que cette proposition éditoriale se retrouvera dans toutes les écoles d’art en France et est une graine, en plus, dont émergera des actions, réflexions et débats pour un avenir meilleur des écoles d’art.

Pour conclure et répondre à ce silence :

Je suis Pascale Obolo ;

Je suis Jay Ramier ;

Je suis Paul-Aimé William ;

Je suis Flavien Louh ;

Je suis Alice Dubon ;

Je suis David Démétrius ;

Je suis AFRIKADAA.

Avec : Adji, Yoann Aka, Geordy Zodidat Alexis, Mélissa Andrianasolo, Charlotte Attal, Myriam Omar Awadi, Collectif Blackflower, Jean-François Boclé, Patricia de Bollivier, Saly.D, David Démétrius, Alice Dubon, Samy D’Alexis, Justin Ebanda Ebanda, Océane Eliard, Étudiantes-x ENSA Paris Malaquais, Étudiantes-x de l’EnsAD, Gabriella Esparon, Joëlle Ferly, Pink Floyd, Vanina Géré, Gérald Gonnot, Yoo Ra Hong, Hor, Hyeonsun An, Stéphanie Jamet, Cassandra Semeu-Kwekam, Eloïse Lem, Les Mots de Trop, Rachel Marsil, Myriam Mihindou, Pascale Obolo, Sophie Orlando, Nana (Anaïs) Pinay, Dominique Pouzol, Samir Ramdani, Andrew Régent, Sacha Rey, Olga Rozenblum, Stéphane Sauzedde, Maïmouna Silla, Fanny Souade Sow, Boulomsouk Svadphaiphane, Étienne Taye, Seumboy Vrainom :€, Youssef El Yedidi

Edito [EN]

The editorial space of AFRIKADAA has always been thought as a shelter and freedom space. To show, to transmit, to speak, and to propose freely. We really thought so until the moment of creating this issue. To confront us with the institution of the art school in France. A system as many testimonies say – idyllic on the outside and pathetic on the inside. 

The title of this special issue is Racism, silence, reshuffle… Where do art school stand? We never imagined that the silence demanded by art school would be imposed on contributors. Despite the importance of the work undertaken by the AFRIKADAA collective to create that shelter space in which was set up, follow up, support for the diplomas, theoretical and bibliographical help, etc. But also, by the fact of being a platform in more to discuss around the problems related to the pedagogical spaces of the art schools. We saw ourselves in front of the self-censorship. That one provoking mutism, withdrawal, anonymity, or linguistic detours. In spite of everything, we tried to work with that reality and to propose here an introduction to a work-in-progress. To be completely honest with you, this prevalent observation impacted the whole team. During collaborative review meetings, how many of us had to make a pause in the face of a succession of testimonies recounting facts that impacted the deepest part of our beings, or to see us say to ourselves, what is the point of doing that issue of we cannot get out of it any usefulness for the students, or for many profound changes in the pedagogical places in art. The release and feasibility of this issue was repeatedly questioned. And to take this editorial scope as a possible and ideal school in four spaces.

The first one concerning the faculty and the production of new pedagogies. The second one, rather with a role of care and benevolence to welcome the word of the students. A third one, relating the actions carried out by art school managements. And on state demand to create new teaching positions linked to decolonial and/or postcolonial studies, gender studies, among others. But also, by a more inclusive will of these pedagogical spaces – however still being far from being sufficient and impactful proposals. We propose to write a more inclusive history with alternative spaces such as the augmented library project – we would like to implement it in collaboration with students from several schools in France. And finally, a last space described as transgressive, in which we welcome off-topic/irrelevant and self-education approaches. This issue and the school thought here is far from being perfect but to be apprehended as the first step of a work, which we hope will be followed by concrete actions in art schools. But we are sure that editorial proposal will be found in all the art schools in France. And is a seed, moreover, from which will emerge actions, reflections, and debates for a better future of art schools.

To conclude and answer that silence:

I am Pascale Obolo.

I am Jay Ramier.

I am Paul-Aimé William.

I am Flavien Louh.

I am Alice Dubon.

I am David Démétrius.

I am AFRIKADAA.

w/ Adji, Yoann Aka, Geordy Zodidat Alexis, Mélissa Andrianasolo, Charlotte Attal, Myriam Omar Awadi, Collectif Blackflower, Jean-François Boclé, Patricia de Bollivier, Saly.D, David Démétrius, Alice Dubon, Samy D’Alexis, Justin Ebanda Ebanda, Océane Eliard, Étudiantes-x ENSA Paris Malaquais, Étudiantes-x de l’EnsAD, Gabriella Esparon, Joëlle Ferly, Pink Floyd, Vanina Géré, Gérald Gonnot, Yoo Ra Hong, Hor, Hyeonsun An, Stéphanie Jamet, Cassandra Semeu-Kwekam, Eloïse Lem, Les Mots de Trop, Rachel Marsil, Myriam Mihindou, Pascale Obolo, Sophie Orlando, Nana (Anaïs) Pinay, Dominique Pouzol, Samir Ramdani, Andrew Régent, Sacha Rey, Olga Rozenblum, Stéphane Sauzedde, Maïmouna Silla, Fanny Souade Sow, Boulomsouk Svadphaiphane, Étienne Taye, Seumboy Vrainom :€, Youssef El Yedidi