Il est difficile d’écrire sur « ce qu’il se passe en France ». Tout d’abord, moi je n’étais pas là. J’étais loin. À Amsterdam, pendant que Nahel a été assassiné, pendant que Alhoussein a été tué, pendant que Mohamed a été tué, pendant les révoltes qui ont suivies.
Je n’étais déjà pas là pendant les manifestations contre le projet de retraite. Je regardais tout ça depuis mon smartphone, dans mon lit, au taffe, à la pause, dans les couloirs de ma formation, dans le métro, en bus, à vélo. J’ai scrollé en boucle sur ce qu’il se passe en France sur les comptes Instagram des amis et de contrattaque.
Cette fois ci, contrairement à George Floyd, pas d’engouement médiatique en faveur de la victime. Le contraire. Silence radio du côté des institutions de Gôche. Et déferlement d’un racisme décomplexé à tous les niveaux. Pour ce qui est du racisme de la sainte trinité Etat-Police-Médias, on savait déjà. Mais partout ailleurs les masques tombent. La voisine, le boulanger, les collègues de travail, les connaissances et même les potes qui, un peu éméchés et secoués par des jeunes de quartiers se mettent à dire un fond de pensée qu’on ne savait pas qu’il était là.
J’ai regardé la cagnotte de soutien du flic assassin grimper en flèche, j’ai scrollé les noms, les montants, lu les commentaires, les mots de « soutien ». J’ai vu la cagnotte de Nahel, j’ai fait la même. Je ne pouvais pas m’empêcher d’y voir une course, une compétition. Celle qui amassera le plus aura gagné. Mais gagné quoi ? De l’argent certes, mais y’avait autre chose. Un affrontement symbolique dont je peine à formuler les termes. Quelque chose comme la victime, l’innocent, le vrai, serait celui qui collecte le plus d’argent. Quelque chose comme ça.
Aux dernières nouvelles on était à 1million six cent mille pour le flic contre cinq cent mille pour Nahel.
La solidarité de celles et ceux qui nous haïssent m’effraie[1].
Le Deuil.
Pendant un long moment, j’ai évité d’en parler à mes ami.e.s. Je ne leur ai pas demandé « comment ça va ? ». Je ne leur ai rien demandé. Je ne leur ai pas dit mes condoléances.
Pendant un long moment, nous n’avons pas partagé notre chagrin.
Je n’ai pas partagé mon chagrin. Seulement avec Dieu – question de pudeur et d’impuissance.
A quelques personnes, j’ai avoué[2] mes crises de larmes.
Avec d’autres nous avons débité de tristes constats politiques. … Nous avons surtout échangé des soupirs et des silences. Nos cils alourdis par le deuil. Un deuil qui ne sait pas trop se dire. Un deuil sans mots. Pudique et bizarre qui nous consume mais qui embrase aussi les villes. Un deuil pourtant familier à force de l’assassinat répétés de ces inconnus qui nous ressemblent (rassemble ?).
Adama, Zyed, bouna, Lamine, Alhoussein, et tous les autres. « Tous les autres… »
Un désespoir profond.
Il se mêle au chagrin et à la sidération. A la peur aussi. Je tente d’écrire et les mots de Baldwin répondent à mon mutisme. Ce mutisme a contaminé nos rangs. On ne sait que dire, comment le dire, le décrire. Organiser la pensée pour dire quoi ? Pour créer quoi ? Pour quoi ?
Ce qui est atroce et presque désespérant, dans notre situation raciale actuelle, tient au fait que les crimes que nous[3] avons commis sont si terribles et si indicibles, qu’accepter cette réalité mènerai littéralement à la folie. Alors pour se protéger lui-même l’être humain ferme les yeux, réitère compulsivement ses crimes et entre dans un obscurantisme spirituel que personne ne peut décrire[4]
Ici il me semble qu’il faut lire : « alors pour se protéger lui-même l’état, la police, le flic, le gouvernement, ferme les yeux, réitère ses crimes et entre dans un obscurantisme spirituel difficile à décrire »
Le gouvernement, ferme les yeux, réitère ses crimes..
Réitère ses crimes.
Cette conscience profonde que Nahel n’est ni le premier ni le dernier.
Que d’autres sont à venir.
Qu’on fauche les jeunes hommes noirs et arabes de ce pays,
Comme des épis de blés.
Sans complexes.
Le Fascisme en marche et la profonde décadence morale[5] de ce pays me pétrifie. Les foyers de propagation fascistes sont toujours plus nombreux, toujours plus armés, toujours plus protégés et décomplexés. Les médias ont bien fait leur besogne. Les racistes se sentent pousser des ailes, et c’est avec un plaisir non feint que les voisins, collègues, connaissances, commercant.e.s, habitué.e.s du bar du coin, statuent sur la question et tranchent fermement en faveur de la répression[6] : Le meurtre se justifie pour une conduite sans permis. Imaginez alors pour une émeute. Le plaisir, la sécurité et la fierté qu’ils éprouvent à savoir nos corps matés par la police et l’appareil judiciaire est à mes yeux insensé. Aux leurs, il s’agit tout au plus d’un spectacle. A la fois fascinant, rassurant et répugnant, comme on regarderait un dératiseur faire le sale boulot : il fait la besogne que nous n’osons pas de peur de ne pas savoir s’y prendre et se salir les mains.
Mais à tous ceux qui jouissent de cette prédation organisée sur les corps non-blancs, sachez Ces plaisirs violents ont des fins violentes. Dans leurs excès ils meurent, telle la poudre et le feu que leurs baisers consument[7].
Le feu appelle le feu.
Les émeutes.
« L’engagement en faveur des émeutiers est un engagement en faveur de la destruction du monde dans lequel les catégories raciales sont pertinentes – emportant avec elles l’organisation de l’espace métropolitain et la division du travail qu’elles structurent. Le feu vient consumer des espaces qui, de toute façon, ne nous appartiennent pas – nous ne sommes pas chez nous dans ces HLM délabrés, ces écoles ne sont qu’au service de notre exclusion, ces transports en commun ne sont que le symbole de notre mise au travail et nos rêves brisés, ces commissariats ont pour seul fonction la violence sur nos corps. »[8]
Après les images d’explosions des tirs de mortiers, les pillages et les voitures en feu, l’heure est à la répression. De la prison ferme pour des broutilles. De la prison ferme pour « donner l’exemple ». L’avocat Rafik Chekkat relève les peines prononcées lors de comparutions immédiates à Marseille : 4 mois ferme pour être entrée dans un magasin sans rien prendre, 10 mois ferme pour deux pantalons Hugo boss, 12 mois pour un projectile. La plupart des condamnations n’ont aucune preuve, on s’appuie sur les PV des policiers. La vérité n’a pas d’importance, on veut faire passer un message.
A distance, je patauge d’impuissance, et me sens glisser dans une apathie désespérante. Je sais n’être pas seul à glisser. Je rentre à St Etienne.
APATHIE = DANGER
Le capitalisme ne perd pas le nord
J’arrête pas de penser à ces devantures de boutiques dont les vitrines saccagées ont été remplacées par de l’agglo. Au début j’ai cru que c’était des tags de manifestant.e.s. C’est écrit en gros, c’est shlag, de loin ça y ressemble. Mais non. Les commerçant.e.s y ont tagué les pourcentages de soldes. Parce que pendant que certain.e.s trimballent leur seum et leur deuil, ben c’est les soldes. Jusqu’à -70%.
Ce n’est pas la vie qui reprend son cours c’est le rythme inexorable du consumérisme. Moi j’avais oublié l’existence des soldes. Et je me dis que les saccages, les pillages et les vitrines brisées étaient nos mausolées. Nos monuments funéraires à la fois somptueux et grandioses. Les révoltes sont des cérémonies funéraires sans pareil. Les dégâts et les ruines immédiates qui en découlent sont des lieux de mémoire.
Même si très vite il n’en reste rien. Le capital recouvre nos trophées avec les mêmes peintures que nous utilisions pour le détruire.
Le cynisme de ces devantures m’obsède un peu.
Ni le premier ni le dernier.
Il est trop tard. Ils ne peuvent pas nous endiguer, ni nous tuer, ni nous renvoyer. Il est trop tard. Il n’y aura jamais assez de flics, de charter ou d’avion pour nous tous.tes damné.e.s . La France qu’ils défendent est déjà morte, ses valeurs enterrées. Son idéal ne finit pas de se compromettre. Le ver est dans le fruit depuis trop longtemps. La République pourrie dans ses remparts. La France, son gouvernement, ses institutions et une société civile toujours plus nombreuse s’enfonce dans la barbarie. Rien n’y fait, les anciennes colonies et leurs sales gueules s’invitent dans le paysage, crament tout, prennent la mer inlassablement pour venir s’échouer sur les rives d’un eldorado en rade de dignité.
Nous sommes les damné.e.s, tous autant que nous sommes. Et chez nous la mort n’est pas une fin, mais un passage, une transition. Nos morts font toujours partie du vivant, ils nous habitent et influencent nos pas. Leur souvenir embrase nos cœurs, soulèvent des révoltes, et peut-être nous ouvriront-ils à des chemins inconnus que le désespoir nous dissimule.
Les morts ne sont pas morts.
Aez Nana Pinay : Comédien.ne, Dramaturge, Metteur.euse en scène, Chercheur.euse. Diplômé.e Master Arts de la scène, Théâtres, performances et sociétés.
[1] Voir les mots de Djimi Diallo : « On a vu l’assassin de Nahel devenir millionnaire en quelques jours grâce à la solidarité de toutes celles et ceux qui nous haïssent. » dans Djimi Diallo, « Il n’y a plus rien à piller. », lundimatin#391, 11 juillet 2023. <https://lundi.am/Il-n-y-a-plus-rien-a-piller >
[2] Je dis « avouer », comme un coupable. D’où me vient ce vocabulaire, et pourquoi ai-je honte de mon chagrin ?
[3] Je suis toujours fasciné par sa capacité à dire « nous ». Comment fait-il, à cet instant, pour dire « nous » ? Dans ce « nous » il y a le meurtrier et la victime. Comment fait-il pour ne pas céder à la séparation. Dans son nous, il y a Emmet Till, ses bourreaux, et toute l’Amérique ségréguée.
[4] Baldwin James, Blues pour l’homme blanc, Zones, 2020. A propos : « James Baldwin a écrit cette pièce en 1964 en réaction à l’assassinat de son ami Medgar Evers, militant des droits civiques, abattu devant son domicile du Mississippi le 12 juin 1963 par un suprémaciste blanc. […] » Dans ma pièce, écrit-il, il est question d’un jeune homme qui est mort ; tout, en fait, tourne autour de ce mort… ‘’
Ce printemps 2019, Olivier Dollinger m’a appelé pour me proposer de présider pendant trois jours le jury des diplômes de cinquième année de l’école d’art dans laquelle il enseigne. C’était un remplacement d’urgence, les délais étaient courts, je lui rendais service. Nous nous apprécions sans être très proches, nous nous connaissons depuis environ dix ans.
Je suis flatté, honoré. Je réponds oui, avec grand plaisir. D’autant plus que j’ai étudié dans cette école. La charge affective était forte.
Ce jury sera composé de Jean-Marc Chapoulie, Julie Béna et Rémi Parcollet, que je connais peu ou pas.
L’épreuve du diplôme se déroule sur trois jours.
Les étudiants accrochent leurs œuvres dans différentes salles de l’école. Nous (les juré.es) allons de salle en salle pour voir les travaux. Dans un premier temps, chaque étudiant.e nous présente son travail, puis ensuite, nous échangeons avec lui.elle.
Entre chaque passage, le jury se réunit vingt minutes en huis clos pour discuter. Il y a quatre étudiant.es à voir par demi-journée. En fin de journée nous délibérons à nouveau sur chaque cas et statuons sur l’obtention des diplômes, des mentions et félicitations. Nous annonçons les résultats dans la foulée à chaque étudiant.e , un.e par un.e, en huis-clos, lui.elle face à nous. Les journées sont donc particulièrement longues et éprouvantes.
À la fin des épreuves, le jury est tenu de rédiger un rapport à destination du Ministère de la Culture. Si mes souvenirs sont bons, ce texte doit donner son avis sur le niveau (général de la promotion, sur l’organisation et le déroulement des diplômes, sur les conditions d’accueil du jury par l’école, et d’autres remarques éventuelles)
DÉROULEMENT DES DIPLÔMES
Le premier jour, dès les premières délibérations les débats sont assez vifs. La première étudiante est française blanche non-Arabe et nous raconte, dans un diplôme ouvert au public, l’importance de sa conversion à l’Islam dans son travail suite à sa rencontre de son mari, un jeune Marocain. Durant la délibération, les remarques déplacées fusent, surtout de la part de Jean-Marc qui estime que : « Peut-être que le vrai problème, c’est qu’elle se soit mariée avec ce mec, qu’elle se soit convertie ». J’ai beau chercher, je ne trouve pas de justification intellectuelle ou pédagogique à de tels propos. Et à ce moment précis, je sens une appréhension pour les prochaines délibérations. Les passages d’étudiant.es s’enchainent… et plus ça va, plus les débats se passionnent entre moi et le reste du groupe. Les deux premiers jours ont été ponctués de plusieurs débats houleux. Pendant les délibérations du deuxième jour, le ton monte à plusieurs reprises lorsque je m’exprime sur des thèmes raciaux ou de représentation de minorités (des thèmes que j’ai l’habitude d’aborder et que je maîtrise), le ton monte, le ton monte, jusqu’au moment où Jean-Marc, en plein débat, excédé par un soupir d’agacement de ma part, hausse le ton de manière significative au point que je me sente menacé physiquement. Il me crie : « bah alors parle ! vas-y dis ce que tu penses ! vas-y dis ! vas-y dis ! » soit pour me provoquer, soit pour m’intimider.
Je lui rétorque : « j’ai rien dit ! j’ai rien dit ! J’ai rien dit ! »
Paradoxalement, c’est à moi qu’Olivier demande de me calmer. Et pas à l’agresseur. Personne ne réagit, personne ne recadre Jean-Marc, personne ne prend ma défense.
À partir de ce moment, je décide de réduire les échanges avec lui. Alors, je lui donne raison, j’acquiesce à ce qu’il dit car j’ai peur que le ton monte à nouveau. En cas de nouveau conflit, je ne pourrais visiblement pas compter sur les autres juré.es. Je me soumets désormais au jugement de mes collègues. Les discussions continuent et j’évite d’intervenir et me terre momentanément dans un silence. Intérieurement je suis très tendu, mes collègues continuent de débattre entre eux, prennent des décisions, et écrivent l’appréciation d’une étudiante. Quelques minutes plus tard mes collègues cherchent les mots pour une autre appréciation. Je propose une phrase. Jean-Marc me dit qu’il ne comprend pas, il répète ma phrase avec circonspection et scepticisme, j’ai à peine le temps de m’expliquer, qu’il passe à autre chose comme si ce que je disais n’avait aucun poids.
La tension monte en moi, je sens qu’il y a un problème entre nous deux. Juste à côté, les rares moments où je le croise, le regard d’Olivier est glacial et fuyant. J’ai une grosse boule au ventre. Plus tard, je ferai d’autres propositions de phases. Critiquées, refusées ou simplement ignorées, aucune ne sera retenue. J’observe quelque chose en moi : la qualité de mon français baisse avec la montée du stress. Depuis le début de la session, c’est de plus en plus visible. J’ai des trous de mémoire pour les références, je bafouille…
Entre mes rares tentatives de participer au débat, dans ma tête, je ne pense plus qu’à une chose : je me sens exclu du groupe. Personne ne me regarde. Je suis éliminé. J’angoisse à mort. Nous devons encore statuer sur quelques étudiants, et je sens que ça va être compliqué. Et d’ailleurs, à partir de ce soir, ni Jean-Marc, ni Olivier, ni Rémi ne me demanderont mon avis sur quoique ce soit jusqu’à la fin du diplôme. Seule Julie me demande à deux ou trois reprises si je veux ajouter quelque chose après une présentation d’étudiant.es où chaque juré s’est longuement exprimé, ou pendant une pause entre deux passages. Quand j’accepte de prendre la parole, aussitôt, tout le monde se retire me laissant seul avec l’étudiant comme s’ils ne voulaient pas entendre ce que j’ai à dire. Les prises de parole de Rémi et Jean-Marc sont très longues. Elles se présentent comme des questions mais les étudiants ne sont pas toujours en mesure d’y répondre, étant donné la quantité d’informations, de commentaires, de considérations qu’elles contiennent. Et moi je suis là avec ma boule, et mon mutisme, à retenir mes larmes quand Julie me fait signe pour parler. Je n’arrive pas à savoir si elle fait ça par pitié ou pour cacher aux étudiants ce qui se passe. J’ai peur que les étudiants comprennent. Peu de moments dans ma vie m’ont fait me sentir aussi inapte, incompétent, incapable, inutile, lourd, idiot. Je n’écoute même plus ce qui se dit, je fais semblant, si je bouge trop les yeux je vais craquer. Entre deux passages, je vais vite aux toilettes pour pleurer un bon coup et je reviens tout frais pour continuer à faire illusion…
Vendredi matin 8h, j’ai dormi deux heures. Je bois mon café seul à la terrasse d’un café. Olivier passe, me voit et me rejoint. Fini la bise habituelle, il me tend la main. Gros silence.
Je dis : je n’aurais pas dû venir, il faut que tu saches que là, c’est dur pour moi…
Il dit : Et pour nous, tu crois que c’est pas dur ? J’ai jamais vu un jury pareil (il n’en a fait que deux avant celui-ci).
Je dis : Moi j’ai jamais vu un prof appeler les étudiantes asiatiques en criant leur nom par la fenêtre en imitant leur accent.
Il dit en bafouillant : il y a des choses sur lesquelles nous pouvons tomber d’accord mais…
Je lui dis : Pour être clair, je vais rester, je vais finir ce travail, mais je le fais pour les étudiants, pas pour vous !
Les autres arrivent et nous arrêtons de parler du problème.
Pendant ces trois jours de travail, j’ai entendu Jean-Marc parodier les étudiantes chinoises en parlant avec un pseudo-accent chinois. Au minimum, à trois reprises.
Quand il faisait ces blagues il nous regardait avec un grand sourire comme pour nous enjoindre de rire avec lui, tout le monde souriait bêtement, sauf moi.
La punition auto suggérée :
Dernières délibérations, j’étais comme un Zombie.
Vendredi était le jour des formulaires à remplir. Il fallait rédiger une lettre pour le Ministère et recopier au propre les notes et appréciations, et peut-être d’autres documents que j’ignore, bref un travail assez long. Évincé, je n’ai participé à l’élaboration ou rédaction d’aucun de ces documents.
Voilà les possibilités qui s’offraient à moi :
Essayer de participer aux discussions, ce qui était impossible étant donné que j’étais intellectuellement, moralement et physiquement disqualifié et diminué.
Ne rien faire du tout. Ni discuter, ni remplir les documents (qui demandaient un certain temps). Ce qui aurait renforcé mon image d’incompétent, d’inapte, que les autres jurés construisaient sciemment ou pas.
M’occuper de la mise au propre des brouillons sur les documents officiels, c’est-à-dire recopier bêtement des textes à la main. Un travail laborieux qui ne demande aucune réflexion et qui a l’avantage de limiter mon contact avec Jean-Marc et Olivier tout en montrant ma bonne volonté pour terminer au plus vite.
J’ai donc choisi la troisième option. Julie a aussi fait une partie importante de la mise au propre.
L’ATTITUDE DES MEMBRES DU JURY
C’est Olivier qui nous a invités, il travaille sur place. Il avait au moins moralement la responsabilité du bon déroulement de ce jury. Je pense qu’Olivier n’a pas fait son travail. Il aurait dû réagir vite et peut-être en informer la direction. Il n’a pas proposé de recueillir mon témoignage. Il n’a pas organisé de médiation ou de discussion. Son unique approche pour régler le problème était de me dire de me calmer et de me faire comprendre que j’étais le problème. Il n’a, à ma connaissance, jamais recadré Jean-Marc pour son comportement agressif. Ni pour ses blagues racistes puisque Jean-Marc a récidivé jeudi soir alors même que je l’avais notifié verbalement à Olivier le matin même.
Olivier a été témoin et complice de mon ostracisme et s’en est satisfait.
Olivier a été témoin et complice actif du fait que j’ai cessé de participer aux décisions du jury de manière progressive. Il est également complice du fait que je n’ai participé à aucune conclusion.
Il n’a pas posé les conditions de délibérations sereines.
Concernant Jean-Marc, il a été le premier responsable de mon éviction avec le soutien sans faille d’Olivier.
Jean-Marc a utilisé le mode de l’intimidation dans un contexte professionnel et officiel.
Dans les premiers moments où j’avais encore une parole entendue, chacune de mes interventions suscitaient un agacement très perceptible ; et particulièrement quand j’abordais des questions inscrites dans le champ des études décoloniales.
L’agacement a vite fait place à la remise en question systématique de tout ce que je disais.
Jean-Marc affectionne les parodies et blagues racistes, mais n’est pas en reste sur les réflexions sexistes ou homophobes que j’ai pu entendre au restaurant ou dans l’enceinte même de l’école.
Rémi Parcollet n’a pas été aussi actif qu’Olivier et Jean-Marc dans cette mise au ban. Cela dit, Rémi n’a jamais pointé le dysfonctionnement du jury et n’a rien fait pour arranger les choses. À chaque intervention, Rémi prenait longuement la parole, lui-même le reconnaissait. Il semblait satisfait de mon éviction. La première journée, nous avons eu quelques débats vifs sur des thèmes décoloniaux sur lesquels il est peu informé, pas compétent et très sceptique sur l’ensemble du champ de recherche.
Pendant mon silence, Julie Béna a été la seule à me proposer de prendre la parole deux ou trois fois en fin de discussion avec les étudiants mais jamais à des moments importants pour partager des prises de décisions cruciales. Nous avons eu avec Julie quelques débats vifs sur des thèmes décoloniaux sur lesquels elle est, elle aussi, peu compétente. Elle n’a aussi jamais pointé le problème et n’a rien fait non plus pour arranger les choses.
ÉVICTION D’UNE PAROLE
À propos de l’éviction de ma parole, les enjeux symboliques sont forts. En effet, comme évoqué plus haut, aucun de mes collègues de jury n’est compétent et ne s’intéresse au champ de recherche décolonial. À chaque évocation des problématiques de représentation de minorités ou des mécanismes de domination sociale, raciale, de genre, leur réaction était celle d’une mécompréhension et d’un rejet de mes observations. Des observations qui étaient vues comme une forme d’hystérie (« Samir, calme-toi ») provoqué par un tempérament trop émotionnel qui me rendait hors sujet et incompétent.
Il est difficile de ne pas y voir l’invalidation d’un domaine de recherche entier par le biais de la disqualification d’une personne. Concernant ce champ de recherche, il n’a, par ailleurs, plus à prouver sa légitimité au regard de son ancrage universitaire, artistique, culturel, ou au regard du contexte politique que nous traversons (phénomène #Metoo, immigration, décomplexion des comportements et paroles racistes). Ces juré.es ne voulaient tout simplement pas entendre parler de racisme institutionnel. L’idée selon laquelle leur monde de l’art puisse être traversé par des mécanismes de domination en tout genre leur semble être soit un fantasme, soit un sujet trop mineur pour être évoqué dans une école d’art ou lors d’un diplôme. Or j’ai constaté lors de mes différentes interventions en école d’art que ces questions étaient de plus en plus demandées par les étudiant.es. Que ce soit par les femmes (majoritaires en écoles d’art), les personnes racisé.es (de plus en plus nombreuses en écoles d’art) ou des étudiant.es non cis ou non hétéronormé.es, eux aussi, de plus en plus visible dans les écoles.
Dans plusieurs de mes interventions orales, mes collègues pouvaient comprendre que j’établissais un lien de compétence entre l’origine d’un.e étudiant.e et sa capacité à être pertinent.e politiquement. Autrement dit, c’est, par exemple, l’idée selon laquelle ce sont les femmes qui sont à l’origine des mouvements féministes et ce sont les personnes racisé.es qui sont à l’origine des luttes et pensées émancipatrices décoloniales…
Même s’il y a des exceptions, ce lien de compétence n’en est pas moins un fait sociologique mesurable.
Malgré son caractère de vérité historique et sociologique, ce lien est sans cesse remis en question par mes collègues. C’est aussi l’évocation de ce lien qui provoque les débats les plus enflammés.
La mise en lumière de ce lien est mal reçue par les intellectuel.les blanc.hes parce-qu’elle remet en question leur pertinence à parler des thèmes de dominations raciales.
Les arguments spontanés qui me sont opposés reposent la plupart du temps sur un héritage intellectuel très européanocentré que l’on peut qualifier d’universaliste et qui consiste à penser que tout le monde devrait pouvoir parler de tous types de sujets dans la bienveillance et bienséance pure qu’induit la liberté d’expression chèrement acquise. De prime abord, ce projet semble tout à fait louable et souhaitable. Après tout, c’est vrai, pourquoi un réalisateur français blanc serait critiquée pour faire un film sur les femmes Kurdes mais pour un public français ?
Peut-être parce que la lunette universaliste a pour principe d’ignorer les contextes particuliers de production, de pensées et d’images ? Que ce réalisateur transporte dans son regard son lot de réflexes orientalistes, de naïveté et de présupposés ? Que l’universaliste n’intègre évidemment pas l’acquis sociologique élémentaire qui nous apprend qu’un point de vue n’est jamais pur et objectif ? Que le point de vue d’un auteur est fatalement intéressé et inscrit dans un milieu qui le conditionne ? Et que les principes universalistes ont été les meilleurs outils rhétoriques de la propagande coloniale civilisatrice ?
Dans les réactions de mes collègues jurés il y avait de ça.
Jean-Marc affectionne les blagues racistes mais il se sent aussi parfaitement capable de m’expliquer ce qui est raciste ou pas.
Dans leurs attitudes disqualifiantes il n’y a pas, à proprement parler, de racisme frontal évident. Eux-mêmes ne se voient surtout pas comme des personnes racistes ou discriminantes, et pourtant le résultat est là, sans appel. Quand on prend du recul sur la situation, dans ce jury de cinq personnes, c’est tout de même un drôle de hasard que la seule personne que l’on fait taire soit non-blanche et portant une parole critique anti-raciste. Autrement dit, puisqu’il y a un lien évident entre mes origines et mes compétences sur les questions raciales et sociales, et qu’il y a également un lien entre mon approche décoloniale de l’art et mon éviction, on peut conclure que mon ostracisme porte un caractère racial.
Ils auraient pu me dire : « Samir, tu vois du racisme et de la domination partout, et ça biaise ton jugement donc on ne tiendra plus compte de ce que tu dis. Entre nous, gens de gauche, il n’y pas de racisme car le racisme on sait le voir aussi bien que toi et probablement mieux que toi l’hystérique. Ne t’en fais pas, tout est sous notre contrôle ».
Le collectif Afrikadaa souhaite faire une mise au point à propos de l’affaire des jurés du diplôme de fin d’année des Beaux-Arts de Toulouse impliquant le texte de Samir Ramdani, intitulé Jury des diplômes à toutes épreuves publié dans le dernier numéro de la revue AFRIKADAA. Nous proposons également à la lecture sur notre site internet (ce qui n’était pas encore le cas) l’article afin que vous puissez l’apprécier à sa juste valeur.
– Samir Ramdani a écrit son témoignage 2 jours après la fin du diplôme en pensant qu’il était important de consigner des faits l’intimidation, du dénigrement et du harcelement dans un cadre officiel institutionnel sur fond de racisme. Samir Ramdani à hésité pendant un an avant de faire des démarches auprès de la direction de l’école pour signaler les faits énoncés. Cette dernière ne semblait pas au courrant de l’existence d’un problème.
– Samir Ramdani a donc demander à l’école une enquête administrative auprès de la direction des Beaux-Arts de Toulouse et du ministère de la culture qui encadre légalement les DNSEP.
– La direction a donc interrogé chaque juré. Les faits de comportements discriminants ont globalement été niés par les membres du jury à l’exception des imitations d’accent asiatique qui ont été confirmés par la seule femme du groupe Julie Béna, qui s’est d’ailleurs désolidarisé du droit de réponse.
– Suite à l’enquête, aucune personne n’a été sanctionnée.
Après avoir reçu le mél. de demande de « droit de réponse », le collectif AFRIKADAA a soulevé plusieurs incohérence de la part des membres du jury et des questions à propos de cet événement. Afin de s’auto-défendre de ce genre d’intimidation, veillez prendre connaissance de ces éléments :
1. L’article n’est pas publier sur le site internet donc ils ne se sont pas renseigner plus que cela.
2. Quels sont les compétences du jury incriminé pour juger qu’une question est décoloniale ou pas ? Compétences basées sur des faits matériels (articles, oeuvres jugés par des pairs ou des critiques d’art, diplôme d’études sur la question décolonial, parcours militant etc.)
3. Quel sont les propos de Samir qui à pousser à bout ledit jury ? La fragilité blanche est une technique récurrente dans ce genre de cas.
4. Si Mr. Olivier Dollinger a informé le directeur pédagogique, n’y a-t-il pas de preuve de cette échange par mail ou de compte rendu écrit comme il convent à la suite de ce genre d’information ? pourquoi, ce document n’est pas soumis à l’appréciation de tous-tes ?
5. N’étant pas présent au moment du jury. Nous demandons un audit de cet affaire au sein de L’école d’art afin que les accusation de blague raciste de Jean-Marc Chapoulie et les attaques visant les membre du jury soit tiré au claire ?
6. L’article est une témoignage qui ne serait souffrir d’aucune censure ou rature de la revue d’art contemporain et cela vaut comme tout témoignage de guerre.
Une demande de droit de réponse nous a été soumise à la suite de la publication du texte de Samir Ramdani, intitulé Jury des diplômes à toutes épreuves, au sein de notre dernier numéro« Racisme, discrimination, … Où en sont les écoles d’art ? ». Le reste du jury considérant que l’article « met en cause directement les personnes signataires de la présente lettre », voici leur droit de réponse :
Nous avons pris connaissance avec consternation de l’article publié sur votre site internet et dans votre revue Afrikadaaa de février 2023, intitulé « Jury des diplômes à toutes épreuves » sous la plume de Samir Ramdani.
Outre que cet article contient des allégations diffamatoires et injurieuses qui portent atteinte à notre réputation et à notre honneur et à l’égard desquelles nous réservons nos droits à réparation, nous tenons à préciser par le présent droit de réponse que les faits rapportés par l’auteur de cet article sont faux.
Samir Ramdani, était le président de ce jury de DNSEP en juin 2019 à l’Isdat de Toulouse. Il avait donc la prérogative de pouvoir parler en premier pour chaque étudiant.
M. Ramdani a d’emblée discriminé la première étudiante que nous avons reçue, « française blanche et non arabe » (dixit) en jugeant qu’elle ne pouvait recevoir son diplôme sous le motif qu’elle n’était pas légitime sur les questions décoloniales. Le travail artistique de cette étudiante ne portait aucunement sur les questions décoloniales. M. Ramdani nous dit alors, autres membres du Jury, ne pas être qualifiés pour évaluer cette étudiante, n’étant pas nous-mêmes racisés.
Comment, dès lors, envisager les critères d’évaluation des travaux des étudiants ? Mr Ramdani a systématiquement refusé de débattre des questions artistiques et a continué ses invectives envers le jury sur des questions politiques, le plus souvent hors sujet. Le dernier jour des délibérations, il est allé jusqu’à pousser à bout un membre du jury qui s’est mis à pleurer en disant « je n’en peux plus Samir, stop ».
Olivier Dollinger, représentant de l’école pour le diplôme, a dès le deuxième jour informé le directeur pédagogique des difficultés à mener sereinement ce diplôme. Olivier Dollinger est intervenu énergiquement auprès de tous les membres du jury, afin d’apaiser la situation, en replaçant les enjeux de ce diplôme pour et auprès des étudiants.
Les accusations de blagues racistes émaillant l’article à l’endroit de Jean-Marc Chapoulie sont totalement calomnieuses et injurieuses.
Sur les attaques personnelles d’incompétence, de racisme, de sexisme, d’homophobie et de violence de M. Ramdani visant des membres du jury, nous dénonçons collectivement des propos diffamatoires et injurieux voués à soutenir et crédibiliser l’écriture d’un récit affabulateur.
Nous sommes par ailleurs surpris qu’un article contenant de telles allégations mensongères et graves à l’encontre de membres d’un jury de DNSEP puisse paraître dans une revue soutenue par l’ANdEA (Association Nationale des Écoles d’Art), sans que personne de la rédaction d’Afrikadaaa, ni de l’ANdEA, n’ait tenté d’en vérifier les sources avant publication.
Au cœur du 17ème arrondissement, la galerie Carole Kvasnevski a exposé le travail de Ibrahim Ballo. Du vendredi 17 janvier jusqu’au samedi 25 février, ont été projetées sept de ses peintures, accompagnées d’une courte vidéo dans leur salle de projection au sous-sol.
Entre poésies et voyages, la peinture d’Ibrahim Ballo raconte des histoires, et plonge nos regards à travers le sien, à travers celui de ses protagonistes. Notre attention est happée et une errance s’ensuit. Tantôt teintée de lyrisme, construite par la chaleur des corps et déformée par l’étincelle de nos histoires : les formes prennent vie comme elles prendraient feu. Le travail pictural présenté se veut manifeste de ces dernières années de recherche, il incorpore le tissage, technique et motif chers à l’artiste. Cette pratique lui vient des femmes de sa communauté, le peuple Sénoufo, pour qui la couture, et particulièrement le tissage du coton, sont au cœur de la réalisation de vêtements. Dans sa peinture, le tissu prend son importance à différents niveaux.
Ibrahim Ballo, Donnez-moi la parole, detail, 2022, 105 x 96,5 cm, acrylique, tissage et broderie de coton sur jeans, Galerie Carole Kvasnevski
Depuis plusieurs années il intègre du tissu, en petites boules cousues, en traits, en carreaux, en croix, le tissage est toujours présent et vient créer des motifs, couvrir, cacher, dévoiler. Ces incrustations dans sa peinture, sont autant d’hommages d’Ibrahim Ballo à son patrimoine culturel et historique. Sa peinture se veut être une partie dans le tout que sont les savoir-faire traditionnels du Mali. Ses systèmes de représentation s’inscrivent dans des traditions iconographiques et picturales qui exposent sous nos yeux un territoire à travers le temps, des rencontres entre tradition et modernité.
Ibrahim Ballo, Donnez-moi la parole, detail 2, 2022, 105 x 96,5 cm, acrylique, tissage et broderie de coton sur jeans, Galerie Carole Kvasnevski
Depuis 2019, les toiles intègrent le jean dans leur processus de création. Cette introduction de matière dans sa démarche vient ajouter une complexité supplémentaire, discutant toujours de l’histoire de son pays, cette fois ancrée dans un contexte international, mêlant migration, exploitation et domination. Au fur et à mesure de sa recherche, le travail de Ibrahim Ballo prend en épaisseur, le jean devient la toile support, et une nouvelle strate vient s’ajouter à la complexité du processus. Cette forme s’enrichit et se construit à la manière d’un palimpseste, un parchemin déjà utilisé, sur lequel on vient graver plusieurs fois, et qui porte en lui les souvenirs de tout ce qui a été dit, et qui offre la liberté de raconter tant encore.
Ces peintures discutent de ce qui est venu avant elles, et contemple les possibilités de tout ce qu’il pourrait advenir. Les strates qui composent les objets de l’artiste nous racontent différentes histoires, et plus elles se superposent plus l’histoire va loin. Et on voyage aussi loin qu’on peut se laisser transporter, aussi loin que les mémoires vont, aussi loin que l’espoir tend, aussi loin à faire le tour du monde. Le travail d’Ibrahim Ballo est témoin, de son temps, de son imbrication dans des dynamiques historiques, politiques et géographiques complexes, encore engagées.
Ibrahim Ballo, Considération, 2022, 125×100 cm , acrylique, tissage, et, broderie sur toile, Galerie Carole Kvasnevski
Au coeur et à la surface de ces palimpsestes, les protagonistes représentés invitent à un imaginaire plus intime. Dans Considération, on fait face à un duo de silhouettes qui exploitent deux systèmes de représentation souvent utilisés par le peintre dans ses formats : la réserve noire sur laquelle il vient tisser (à gauche), et la réserve noire sur laquelle il vient peindre un motif.
Ibrahim Ballo – Pensée jaune (2022) – 89 x 89 cm – acrylique, tissage et broderie sur Jeans – Galerie Carole Kvasnevski
Ibrahim Ballo – Regard ambitieux – détail – (2022) – 107 x 88,5 cm – acrylique, tissage et broderie de coton sur jeans – Galerie Carole Kvasnevski
Ces motifs aplanissent les corps, et les font remonter à la surface du tableau, les figures nous font face, soudainement prises au premier plan. Ces réserves et ces trames ajoutent en complexité aux différents systèmes de représentation de profondeur et de stratification déjà présents. Les corps semblent être des abîmes dans lesquels le regard plonge et vient donner vie. En utilisant, puis en mettant à mal les représentations traditionnelles de la profondeur dans l’espace de ses peintures, Ibrahim Ballo met en scène une échappée au regard occidentalocentré et sa construction, et par la même occasion, ses personnages viennent nous happer.
Cette toile, presque éponyme à l’exposition, résume bien le voyage du regard dans l’imaginaire du peintre. Ce format, comme la majorité de ceux exposés, nous met face à un personnage seul, isolé. Cet instant saisi et choisi se veut manifeste de la vie des protagonistes, une métonymie de leur vécu, défini par l’esseulement. Dans la vidéo qui accompagne les toiles, l’artiste dénonce les systèmes qui participent à la marginalisation, l’exclusion et les inégalités. Sa peinture nous invite donc à donner sens, offrir une voix et un son aux corps qui, silenciés et réduits, s’offrent comme des figures contemplatives et réflexives devant nous.
Ibrahim Ballo, Donnez-moi la parole, 2022, 105 x 965 cm, acrylique ,tissage, et broderie de coton sur jeans, Galerie Carole Kvasnevski
En acceptant l’invitation d’Ibrahim Ballo à prendre corps dans ses peintures, nous sommes renvoyé.e.s à nos conditions face à elles. Les toiles nous emmènent avec elles à la frontière de la marge et du centre. Et si l’on connaît cet esseulement, nous tournons alors le dos et faisons face à des imaginaires qui nous sont familiers. En cette mesure, le travail de Ibrahim Ballo ne permet pas de mensonge : il s’offre aux yeux et se dévoile aux regards qui connaissent ces solitudes et ces histoires, en restant silencieux aux regards qui ne savent pas leur donner sens.
Ibrahim Ballo est un jeune artiste né à Bamako en 1986, où il travaille et vit aujourd’hui. Il obtient son Master au Conservatoire Balla Fasseké Kouyaté en 2017, sous la direction d’Abdoulaye Konaté, dont il est l’élève.Cette exposition est une restitution de sa résidence au Couvent de la cômerie au centre Montévidéo, qui a eu lieu fin 2022 à Marseille.
L’espace éditorial qu’est celui d’AFRIKADAA a toujours été pensé comme un espace refuge et de liberté. De montrer, transmette, parler, proposer librement. Nous le pensions réellement jusqu’au moment de créer ce numéro. De nous confronter à l’institution qu’est celle de l’école d’art en France. Un système comme bon nombre de témoignages le notent, idyllique à l’extérieur et pathétique de l’intérieur.
Le titre de ce numéro hors-série est Racisme, silence, mobilisation… Où en sont les écoles d’art ? Nous n’aurions jamais envisagé que le silence exigé par les écoles d’art s’imposerait aux contributeurices-x. Malgré l’importance du travail entrepris par le collectif AFRIKADAA de créer cet espace refuge dans lequel a été mis en place suivi, soutien pour les passages de diplômes, aide théorique et bibliographique, etc. mais aussi par le fait d’être une plateforme en plus à aborder les problématiques liées aux espaces pédagogiques des écoles d’art ; nous nous sommes vues-x face à l’auto-censure. Celle-ci provoquant mutisme, retrait, anonymat ou détours langagiers. Malgré tout, nous avons essayé de travailler avec cette réalité et de proposer ici une introduction à un travail en devenir. Pour être tout à fait sincère avec vous, ce constat prégnant impacta toute l’équipe. Lors de réunions de relectures collaboratives, combien d’entre-nous durent prendre une pause face à la succession de témoignages relatant des faits impactant le plus profond de nos êtres ou alors de nous voir nous dire à quoi bon faire ce numéro si nous ne pouvons en sortir quelconques utilités pour les étudiantes-x ou pour quelconques changements profonds des lieux pédagogiques en art. La sortie et la faisabilité de ce numéro furent à maintes fois remises en question ; de même que la portée de celui-ci. Après ces quelques allers-retours réflexifs entre nous, nous avons décidé de nous servir de tout cela comme de base à notre recherche pour ce numéro. Et de prendre cette étendue éditoriale comme une possible et idéale école qui s’appréhenderait en quatre espaces. Le premier concernant le corps professoral et la production de nouvelles pédagogies ; un second, plutôt à rôle de soin et de bienveillance pour accueillir la parole des étudiantes-x ; un troisième, relatant les actions menées par les directions d’école d’art et sur demande étatique de créer de nouveaux postes professoraux liés aux études décoloniales et/ou postcoloniales, de genre, entre autres mais aussi par une volonté plus inclusives de ces espaces pédagogiques – cependant étant encore loin d’être des propositions suffisantes et impactantes, nous proposons de réécrire une histoire plus inclusives avec des lieux alternatifs tels que le projet de bibliothèque augmentée, projet que nous aimerions, suite à ce numéro mettre en place en collaboration avec les étudiantes-x de plusieurs écoles en France, pour ne pas dire toutes. Et pour finir un dernier espace qualifié de transgressif, dans lequel nous saluons les approches par le hors-sujet et l’autodidactie.
Ce numéro et donc l’école naissante proposée ici est loin d’être parfaite mais à appréhender comme la première étape d’un travail, comme déclaré plus haut, qui on l’espère sera suivi par des actions concrètes en école d’art. Mais ce que nous sommes sûres-x, c’est que cette proposition éditoriale se retrouvera dans toutes les écoles d’art en France et est une graine, en plus, dont émergera des actions, réflexions et débats pour un avenir meilleur des écoles d’art.
Pour conclure et répondre à ce silence :
Je suis Pascale Obolo ;
Je suis Jay Ramier ;
Je suis Paul-Aimé William ;
Je suis Flavien Louh ;
Je suis Alice Dubon ;
Je suis David Démétrius ;
Je suis AFRIKADAA.
Avec : Adji, Yoann Aka, Geordy Zodidat Alexis, Mélissa Andrianasolo, Charlotte Attal, Myriam Omar Awadi, Collectif Blackflower, Jean-François Boclé, Patricia de Bollivier, Saly.D, David Démétrius, Alice Dubon, Samy D’Alexis, Justin Ebanda Ebanda, Océane Eliard, Étudiantes-x ENSA Paris Malaquais, Étudiantes-x de l’EnsAD, Gabriella Esparon, Joëlle Ferly, Pink Floyd, Vanina Géré, Gérald Gonnot, Yoo Ra Hong, Hor, Hyeonsun An, Stéphanie Jamet, Cassandra Semeu-Kwekam, Eloïse Lem, Les Mots de Trop, Rachel Marsil, Myriam Mihindou, Pascale Obolo, Sophie Orlando, Nana (Anaïs) Pinay, Dominique Pouzol, Samir Ramdani, Andrew Régent, Sacha Rey, Olga Rozenblum, Stéphane Sauzedde, Maïmouna Silla, Fanny Souade Sow, Boulomsouk Svadphaiphane, Étienne Taye, Seumboy Vrainom :€, Youssef El Yedidi
Edito [EN]
The editorial space of AFRIKADAA has always been thought as a shelter and freedom space. To show, to transmit, to speak, and to propose freely. We really thought so until the moment of creating this issue. To confront us with the institution of the art school in France. A system as many testimonies say – idyllic on the outside and pathetic on the inside.
The title of this special issue is Racism, silence, reshuffle… Where do art school stand? We never imagined that the silence demanded by art school would be imposed on contributors. Despite the importance of the work undertaken by the AFRIKADAA collective to create that shelter space in which was set up, follow up, support for the diplomas, theoretical and bibliographical help, etc. But also, by the fact of being a platform in more to discuss around the problems related to the pedagogical spaces of the art schools. We saw ourselves in front of the self-censorship. That one provoking mutism, withdrawal, anonymity, or linguistic detours. In spite of everything, we tried to work with that reality and to propose here an introduction to a work-in-progress. To be completely honest with you, this prevalent observation impacted the whole team. During collaborative review meetings, how many of us had to make a pause in the face of a succession of testimonies recounting facts that impacted the deepest part of our beings, or to see us say to ourselves, what is the point of doing that issue of we cannot get out of it any usefulness for the students, or for many profound changes in the pedagogical places in art. The release and feasibility of this issue was repeatedly questioned. And to take this editorial scope as a possible and ideal school in four spaces.
The first one concerning the faculty and the production of new pedagogies. The second one, rather with a role of care and benevolence to welcome the word of the students. A third one, relating the actions carried out by art school managements. And on state demand to create new teaching positions linked to decolonial and/or postcolonial studies, gender studies, among others. But also, by a more inclusive will of these pedagogical spaces – however still being far from being sufficient and impactful proposals. We propose to write a more inclusive history with alternative spaces such as the augmented library project – we would like to implement it in collaboration with students from several schools in France. And finally, a last space described as transgressive, in which we welcome off-topic/irrelevant and self-education approaches. This issue and the school thought here is far from being perfect but to be apprehended as the first step of a work, which we hope will be followed by concrete actions in art schools. But we are sure that editorial proposal will be found in all the art schools in France. And is a seed, moreover, from which will emerge actions, reflections, and debates for a better future of art schools.
To conclude and answer that silence:
I am Pascale Obolo.
I am Jay Ramier.
I am Paul-Aimé William.
I am Flavien Louh.
I am Alice Dubon.
I am David Démétrius.
I am AFRIKADAA.
w/ Adji, Yoann Aka, Geordy Zodidat Alexis, Mélissa Andrianasolo, Charlotte Attal, Myriam Omar Awadi, Collectif Blackflower, Jean-François Boclé, Patricia de Bollivier, Saly.D, David Démétrius, Alice Dubon, Samy D’Alexis, Justin Ebanda Ebanda, Océane Eliard, Étudiantes-x ENSA Paris Malaquais, Étudiantes-x de l’EnsAD, Gabriella Esparon, Joëlle Ferly, Pink Floyd, Vanina Géré, Gérald Gonnot, Yoo Ra Hong, Hor, Hyeonsun An, Stéphanie Jamet, Cassandra Semeu-Kwekam, Eloïse Lem, Les Mots de Trop, Rachel Marsil, Myriam Mihindou, Pascale Obolo, Sophie Orlando, Nana (Anaïs) Pinay, Dominique Pouzol, Samir Ramdani, Andrew Régent, Sacha Rey, Olga Rozenblum, Stéphane Sauzedde, Maïmouna Silla, Fanny Souade Sow, Boulomsouk Svadphaiphane, Étienne Taye, Seumboy Vrainom :€, Youssef El Yedidi
Comme pour tous projets initiés par le collectif AFRIKADAA, l’espace radiophonique Yékri Yékra se veut tel un hub de recherche où oralité et réception auditive résonnent, questionnent et dialoguent en surpassant les limites diplomatiques. Haut-parlants des sans-voix, crieurs des silences. La voix, respirant et marronnant par ses vibrations, peut éclairer un regard enfermé dans sa pensée et dans sa prison sémantique. La mission est donc de donner la parole aux voix longtemps éclipsées, les faire résonner et trembler. Entre chroniques, pause musicale et performances, Yékri Yékra devient bande passante contée. Le collage sonore d’une radicalité artistique différée où la mémoire collective et l’archivage radical y sont réactivées !
Yékri Yékra • Tèt nèg
Yékri Yékra a oun projé di kolektif AFRIKADAA. Li chonjé atò a oun mayouri di lesprit ki ka pran kò andan oun radyo ki ka bail ounlo palò, kesyon épi dé ou trwa tòtòbyòtò. Ak sa, sa nou vlé sé jambé bordir-yan ka frennen nou driv. Oparlèr pou sé esclav-yan di silans. Antr kronik, lanmizik épi performans, Yékri Yékra ka divini oun kont ké so titim.
Pa şasé pli lwen oun konvwé kadansé ka sonnen konsa !
Yékri Yékra • the radical column
The Yékri Yékra radio space is intended to be a research lab where orality and auditory reception resonate, question and dialogue by surpassing diplomatic limits — as all projects initiated by AFRIKADAA. Speakers of the voiceless, shouters of silences. The voices that breathe can illuminate a look — locked in its thought and in a semantic prison. The mission is therefore to give voice to voices that have long been eclipsed, to make them resonate and quake.
Between chronicles, interludes and performances, Yékri Yékra becomes a [storytelling] tape. The sound collage of a deferred artistic radicality — the collective memory and the radical archiving are reactivated here!
Voici l’histoire des sans-voix contée par les griots du futur :
— Yékri Yékra de Jony Lerond — Manifeste Révoltes silencieuses par Pascale Obolo et David Démétrius
— À ceux qui nous ont offensé par Alice Dubon — Afrojazz Protest par Wilfried Nakeu
— Lecture de poèmes issus du recueil Pokoninon d’agneaupimenté par David Démétrius [mes mythes, Aux Lauriers de Césaire, BotE, 3eme eye]
— Génération 1 et demie par Boulomsouk Svadphaiphane
— Lecture de poèmes issus du recueil de Raymond Charlotte par Paul-Aimé William [A fleur a gout di san an ba soley a, Bombkapéte,Cayenne, Fanmtyenbe, Konspiration, La déambulation du monde, Liberté pour la Guyane, Mai 81, Pa monté ké ton pat chique, Une goutte de sang au soleil]
— Sé messie kriminèl pa ka joué par Jean-François Boclé — Chants nocturnes pour les noires Amériques I par Jay [One] Ramier
— Djèli par Sarah Touré — Chants nocturnes pour les noires Amériques II par Jay [One] Ramier
Qu’aurai-je dû attendre d’une nouvelle exposition sur la Caraïbe[s] créolophone à base français, s’intitulant Des grains de poussière sur la mer et se sous-titrant Sculpture contemporaine des Caraïbes françaises et d’Haïti ?
En tant que corps caribéen, je devrais sûrement [je ne sais pas], de façon optimiste, en attendre beaucoup de cette démarche. Plier l’échine et être reconnaissant du travail entrepris, et cela, depuis quatre ans. Mais désolé de commencer ce texte par l’incompréhension et l’exaspération ! Une incompréhension du titre choisi [et gardé, malgré ces fameuses années, de recherche ?, en background et ayant la volonté de faire de cette exposition une itinérance en France Métropolitaine !] qui paraissait beaucoup plus sexy et poétique en anglais Dust Specks on the Sea [et encore si j’enlève de ma tête la référence m’apparaissant immédiatement]. Le texte curatorial ainsi que le discours d’Arden Sherman, curatrice de l’exposition confirma le pire « En 1964, effectuant un voyage d’état en Martinique, Guadeloupe et Guyane française, Charles de Gaulle survole en avion la mer des Caraïbes, et décrit les îles comme autant de « grains de poussière sur la mer » ». Quand nous connaissons la politique coloniale et le positionnement de De Gaulle sur ces territoires, où vouloir en venir en commençant de la sorte une exposition sur les Caraïbes françaises ? Surtout quand l’exposition, et je sous-entends le propos curatorial, ne se positionne aucunement sur la question [mais je reviendrai très vite dessus].
Je reprends le fil de ma pensée – devrais-je entendre par grains de poussières sur la mer la région qu’est celle de la Caraïbe[s] ? de laquelle les artistes-x, ici présentes-x, ainsi que moi- même provenons ? On pourrait me rétorquer l’utilisation de « poussières de terre » selon Édouard Glissant [devant avoir les oreilles sifflant depuis quelques années maintenant et le dos bien large car il, Glissant, est à mon grand bonheur, cité et présent de toutes parts pour le meilleur mais aussi et surtout pour le pire – en vue de justifications à toutes sauces…] mais lisons-le réellement, essayons de comprendre ou alors de déchiffrer sa pensée et faisons-le ensuite apparaitre dans nos citations ! Ce même Glissant reprendra la citation dans son Discours en la déjouant de son contexte initial, « Décrire c’est transformer. […] Entre l’Europe et l’Amérique, je ne vois que des poussières. Attribué à Charles de Gaulle, à l’occasion d’un voyage en Martinique. »* Même si le texte se tente ensuite à être critique cela reste soit détaché et de surface « révélatrice de la perspective surplombante […] une perspective dont les racines plongent dans l’Histoire de la France comme puissance coloniale dans les Antilles » soit farfelu « évoque l’effet mystérieux et presque surnaturel que peut susciter une vue aérienne de l’archipel des Caraïbes ». En ce qui me concerne le titre a été de poussière et doit retourner à la poussière…
Si je dois continuer sur mon incompréhension, attardons-nous cette fois-ci sur la notion de sculptures présente dans le sous-titre et devant être, si ma lecture était bonne de celui-ci, une exposition dont le point de départ et le liant narratif serait ce médium. La question du pourquoi la sculpture ? fut posée à Arden Sherman dont elle répondit être sensible et passionnée depuis de nombreuses années, mais encore ? Elle confirmera, cependant, que la sculpture est peu présente ici mais pouvant être ressentie par le biais d’autres médiums. Encore une fois, si propos curatorial il y avait, je n’aurai pu que lui donner raison et la rejoindre sur ce point mais… celui- ci est à l’état de la sculpture dans cette exposition c’est-à-dire à l’état d’absence ou bien caractérisé par les traces de poussière présentes dans le titre. Où sont donc les Minia Biabiany ?
Sandra Dessalines ? ou encore Carlos Adaoudé et l’école bushinenge ? Une sculpture[S] bien trop [marronne ? caribéenne ? conceptuelle et spirituelle ?] incompréhensible pour celleux ne voulant et surtout ne pouvant réellement la décrypter. Des grains de poussières sur la mer équivaut donc à non pas se retrouver face à un travail de recherche réflexif autour ou à partir de la sculpture caribéenne mais face à un moteur de recherche dans lequel y ont été placé, dans un fourre-tout, les mots clés Caraïbes-françaises-artistes-Haïti tout en lésinant sur la notion de sculpture.
Comme prédit plus haut, l’incompréhension s’accompagne d’une certaine forme d’irritation. Celle-ci me venant de l’irrespect à l’encontre de certaines œuvres et donc des corps-artistes-x auxquelles elles renvoient. Je pense aux œuvres Écume de ma mère et Les Tiags de mon Oncle de Jérémie Paul, œuvres sentimentales pour l’artiste, au regard du discours plastique et esthétique à l’estime des figures que peuvent être celles de la famille. Restons un petit instant sur Les Tiags de mon Oncle, travail ouvert à la considération du détail et à la douceur de béatilles. Comment ne pas se sentir froisser face à la défaveur de l’attitude curatoriale que de placer cette pièce en hauteur [et quand je parle d’hauteur, traduire cela en un point culminant – demandant une gymnastique oculaire pour appréhender au pire un détail, au mieux un dérisoire îlot… de santiags]. Un travail pouvant quasiment passer inaperçu si l’idée ne nous venait point de lever les yeux dans ce sas, saisit dès notre arrivée par ces grands formats, Untitled, de Julie Bessard. C’est toujours dans ce sas – à interpréter d’avoir été un défi et une faille à investir convenablement – que se situe un second travail irrespectueusement exposé, Key Escape de Ronald Cyrille. Cette embarcation, de nouveau placée en hauteur, ayant à son bord toute l’Histoire de son propos, prend ici le large et foukan dans les hauteurs du malheureux oubli. Je pourrai de même relever et proposer une discussion à partir de Les amulettes et les trophées – l’huître de Gaëlle Choisne dont la poésie et la force du message, exprimées par la figure de l’huître, sont emportées par la marée du dispositif scénographique et se voient échouées telles une huître seule sur ce mur blanc.
Malgré tout cela, j’aimerai apporter une note positive à cette exposition car il y en a bien une, qui est celle que les artistes exposées-x possèdent de réels univers esthétiques manifestant la fascinante pluralité du génie caribéen et de ce que veut dire vivre plastiquement la Caraïbe[s] et son/ses corps. En dépit d’une direction précise, forte et d’une proposition discursive riche [curatorialement parlant], les artistes ont réussi à exister dans ce chaos – ne s’apparentant aucunement à celui à l’origine de la création de toute chose en contexte caribéen mais plutôt à ce dont on sait déjà –, et pour celleux présentes à apposer un discours qui était jusqu’ici absent.
Pour répondre à ma question de départ, je n’attendais donc rien d’une exposition sur la Caraïbe[s] portée par des collègues-x non-caribéennes-x. On pourra me faire porter le chapeau du discours communautariste mais s’il faut l’être – communautariste – pour avoir de la qualité quand une exposition porte sur la Caraïbe[s] ; je suis prêt à en payer le prix.
C’est pour cela que je prends la décision, exprimé par ce geste radical et je m’en excuse d’avance auprès des artistes, de ne pas accompagner ce texte de visuels. Un respect que je porte au travail et aux personnalités des artistes – dont le travail n’a aucunement été respecté – et symétriquement exprimer le rejet d’une opération curatoriale défectueuse [pour ne pas dire néfaste pour l’esthétique caribéenne].
Je ne peux que vous dire à très vite… mais en attendant,
« Écoutes dans le Vent Le Buisson en sanglots, C’est le Souffle des Ancêtres. »**
Merci à Raphaël Barontini, Julie Bessard, Jean-François Boclé, Alex Burke, Vladimir Cybil Charlier, Gaëlle Choisne, Ronald Cyrille Aka B.Bird, Jean-Ulrick Désert, Kenny Dunkan, Édouard Duval-Carrié, Adler Guerrier, Jean-Marc Hunt, Louisa Marajo, Najja Moon, Ricardo Ozier-Lafontaine, Marielle Plaisir, Michelle Lisa Polissaint, Tabita Rézaire, Yoan Sorin, Jude Papaloko Thegenus pour votre travail !
Des grains de poussière sur la mer. Sculpture contemporaine des Caraïbes françaises et d’Haïti,
Ferme du Buisson, Noisiel du 15 oct. 2022 au 29 janv 2023
* Je me dois de te remercier, Yana Langston, pour le rappel de cette citation de Glissant. Je suis conscient que ce texte contient des lacunes [cf. un échange récent que l’on a eu ensemble] mais c’est aussi un moyen d’accueillir des critiques [sûrement les tiennes ?] à cette propre critique d’exposition. Bien à toi !
UNE CRITIQUE DE L’EXPOSITION « SHÉHÉRAZADE, LA NUIT » AU PALAIS DE TOKYO FAIT EN MOINS D’1 SEMAINE PAR DEUX MEMBRES D’AFRIKADAA, LE MAXIMUM QUE L’ON PUISSE PROPOSER QUAND A ON RIEN À FAIRE. VRAIMENT. ILS PARLENT DE SALOPERIES, DE JOIES, DE TRAHISONS, D’ECHOES CARAÏBES LORSQUE L’ON TOURNE LE DOS À L’EN-NUIT. ET ILS SE MARRENT BIEN.
P.S : le serein OU soukou est cette passerelle en fin de journée, précédant l’en-nuit où les monstres sortent faire malédiction • dans la mythologie kamite-antillo-guyanaise !
Retrouver la critique en version traitement de texte sur ce lien.
veille militant_es. Un glock coûte 700 € sans les balles. veille millitant_es. Suit le vent, n’ait point peur, prend des risques flirt avec le meurtre, bombarde par coeur : « avant la noce, on aiguise les couteaux ». veille milliant_es. Vise tjrs la tête pour y loger un chaman. veille milliant_es. fait tomber la neige même en plein’ canicule volcan O mon bon souhait
crédit : paw
aïe. ne nous leurrons point, le leitmotiv de cette manifestation est une litote.
pour peu que ce thème soit déter, nous devons tout de même déshampé
la mezza voce de cette soupe opéra *Manifesto o’ fragility* managée par deux MCs (masters of curating) reflétant l’image générale du colorwashing (green, white, pink, token noirx) dans le ghetto de l’art contemporain
c’est dedans cette ville qu’en 2019, Anas, un étudiant syndicaliste, s’est immolé par le feu devant le Crous pour trahir la mutité des précarités étudiantes —
des sans bourse, des sans logement, des sans aide, des sans soin, des sans famille, des ventres creux à midi
cette fragilité tue (point)
Anas a survécu ; sa lettre de suicide appelait dans un ton de manifeste de bon’ oreilles
« Luttons contre la montée du fascisme, qui ne fait que nous diviser et créer et du libéralisme qui crée des inégalités. J’accuse Macron, Hollande, Sarkozy et l’UE de m’avoir tué, en créant des incertitudes sur l’avenir de tous-tes. j’accuse aussi le Pen et les éditorialistes d’avoir crée des peurs plus que secondaires. Mon dernier souhait, c’est aussi que mes camarades continuent de lutter, pour en finir définitivement avec tout ça. »
c’est aussi, dans cette ville, qu’a été créer, en 2012, l’association néo-nazi, Génération identitaire, petite fille de KlausBarbie & du Cardinal Barbarin et qui fut dissoute en 2021.
fuck le nazisme larvé, le fascisme actuel, le racisme d’état, l’islamophobie des médias, le capitalisme patriarcal systémique en France et dans cette ville. ces saletés marchent sur le dos fragile de ceux « qui meurent dans le silence le plus complet. »
en vrai, cette biennale de Lyon est samo
même Mbappé est plus politisé — il me semble avoir connu évènement plus hypocrite cependant je tourne de l’oeil lors même que je lis que
le CIC est partenaire officiel de la biennale
en sachant à quel degré cette banque française
a dépossédé Haïti de ses richesses !
et qu’en n’est-il du Crédit Lyonnais qui saugrenuement n’est de la fête
mais qui par ailleurs est impliqué dans le sous-développement de l’Afrique comme l’a constaté l’historien africaine Walter Rodney
ce manifeste d’la fragilité vise-t-il vraiment des réparations et des formes de résistances. pouvons-nous s’il en est encore temps « aller au-delà de l’accent mis sur la résistance et suggérer que des concepts comme l’abandon, le rêve et l’attente peuvent nous rappeler la richesse de l’humanité, de l’humanité noire. »
crédit : paw
les deux MCs ont manqué de prendre sereinement una voce antifascista per la rivoluzione contro la guerrilla di posizione en occupant plusieurs lieux culturels de la ville.
comprenons-nous bien, ils convergent vers ce que le théoricien italien, AntonioGramsci, appelait une « rivoluzione passiva » orchestrée aujourd’hui, en France, par le macronisme d’intérêt colonial et ayant pour essieu mondial : la suprématie blanche.
le thème de fond de cette curation pour institutions néolibérales est une rengaine de vendeur de voiture face à la mise à mort par l’histoire (nous y reviendrons)
et la servitude et les violences policières et la souffrance au travail et la (néo)libéralisation des hôpitaux, du service public, des universités et
la phynanciarisation programmée de nos retraites,
et la prohibition de la prostitution et la fuite en avant dans l’écocide en cours
c’est cette fragilité sans verbe que réussit à conserver et à reproduire les chef_fes d’entreprise, banquiers et autres dogues de la profitasyon.
—
que mon cousin soit de partance pour Lyon
a été une drôle de nouvelle
je lui ai demandé d’aller visiter les expositions à ma place comme
scrutateur à la manière de Sylvie pour Sanglis dans Terre magnétique
moyennant une bouteille de Hennessy pour le prochain after à Cayenne
et le billet d’entrée et des per diem
pour la journée, j’aurais photos vidéos textes cartels oeuvres et de petits commentaires sur cette biennale d’art
contemporain
je n’ai pas eu de résistance pour le convaincre à vrai dire
il n’avait pas grand chose à faire là,
à part accoucher —
soit arriver enceinte de Cayenne Felix Éboué à Paris Orly sans blême
avant de rejoindre Lyonzon en TGV pour chier dans les toilettes d’un telo ibis
les cocons de soie dans son ventre
il m’a rien dit rien or on savait tous*tes — qu’i était un passager de Air Cocaïne
je ne vais pas le snitch ; c’est pour cela que son nom sera
anonymisé dans le texte et
puis on sait tous*tes que s’il devait être arrêter, le serait jà ; c’est juste que les flics ils ne veulent pas et que ça arrange l’Etat colonial français de créer et maintenir cette misère blanche
en Colonie=Guyane
les mules sont relaxé.es pour moins de 1,5 kilos de soie
dans leurs boyaux ou valises —
et ce, si et seulement si, on les shop.
La prison le ferait bien du mal or « la prison (peut devenir) lieu de d’apprentie du militantisme politique. Walter Rodney constata que plusieurs dirigeant nationaliste africains avaient obtenu leur diplôme dans les prisons coloniales, et que les prisons sud-africaines et états-uniennes détenaient quelques-uns des Noirs les plus brillants.»
je n’attendais rien de spécial des données que m’a envoyé Émile
il y avait jà plein de trucs sur instagram etc.
et leur site internet
me suis dit il n’y pas de concert de Big la F
pour la biennale donc c’est samo
la fragilité crée compose de nouvelles solidarités ar-tis-tis-tiques, de nouvelles forces, de nouvelles menaces décoloniales — donc pourquoi pas avec
la musique noire
la F est un’ Trapstar de la drill FR. il vient de Villeurbanne. les deux MCs (je m’en cure de leurs blazes) pouvaient bien l’inviter pour parler de la fragilité lors d’une conférence
comme à l’époque KRS One à Paris 8
naaaah pas possible, tu rêves
or je blague pas sa mère
une conférence pour parler de sa vie d’artiste, de son QLF (en style BMF ou OTF pas comme les autres orpailleurs de noirceur), de ses lyriques ainsi que ses connexions dans l’industrie et sur Ur-anus
de ses pensées pour « rétablir l’honneur d’mes frères / En manque d’inspi’, en manque de sous, en manque d’amis, en manque d’amour » comme il pera
« l’objectif : nourrir la famille » et ensuite remercier son « public pour l’amour, j’jure chaque lettre, chaque mot me touche »
Mais non
Fleurs létales
crédit : Emile et paw
or y a quelque chose qui trappe dans ce manifeste —
les images florales
ils ont fait tout un’ com’ ingénieuse sur l’identité visuelle de la biennale—un espèce d’espéranto avecque le style d’Annie Ernaux
lyonzon a une large patrimoine d’horticulture et d’industrie patriarcale coloniale
mea culpa ~ tu vois l’entubage
cette culture est surtout neutralisée et reconduit l’idéologie nationalitaire et racialiste des historiens de l’art français de la Renaissante par le trope de la floraison —
Comme les suprémaciste blanc de l’Ordre de la fleur qui considèrent la musique noire comme une menace civilisationnelle dans le roman Mumbo Jumbo de Ishmael Reed
ains’ pour les promeneuses_res du Parc de la tête d’Or
𓇗 Belle de Clermont 𓇖 Duchesse D’auerstaedt 𓇚 Broceliande 𓇕 Petit Trianon 𓇓 Etoile de Hollande 𓇘
je mande à toutes vies où sont enracinées les têtes de nègre dans tout çà-là 𓇘
y a même des T-shirt de la biennale avec un motif de fleur
pour être gucci and gold
en collaboration avec Galerie LaFayette
mais c’est uggly and cheap
ces images florales sont prolétarisantes ~ on ne sait rien des fleurs prises en photo si on peut les infuser, les transformer en onguent, en cataplasme ou en parfum rien
en vrai il aurait pu mettre une feuille de ganjah
la rose porcelaine d’Asie aurait pu tenir l’affiche aussi
mais s’il fallait falar é-co-no-mi-que-ment et so-cia-le-ment de fleurs ce serait avec celle que chante bien mieux que oim, Big la F :
« J’voulais être riche d’la fleur de coca, j’voulais être riche d’la fleur de kush »
tout est tressé, comb’ de jeunes comme mon couz ki font la mule à cause d’la fleur de coca
comb’ de renoi ki se fument la tête,
sans sacré ni désir de création, avec cette fleur de Kush
qui les empoisonnent en inoculant l’hostilité, la débilité et la violence dans leur cervelle et dans la ure
WesleyMohammad, docteur en sociologie et membre de la Nation d’Islam
édit que le marijuana est un’ arme contre les humanité-mâle-noirs et que cette drogue est promue par le hip-hop. Weed is the bullet and hip-hop, the gun.
je m’arrête là dans sa réflexion car elle déparle ensuite en discours anti race d’ep.
pour les artistes noirx par exemple créer des fleurs n’est pas anodin
comme l’explique brillamment le *critique d’art*,
Hennessy Yougman aka Hen-rock Obama aka Hen-rock Allah aka Pharaon Hennessy aka Mitt Romney’s drug dealer aka Mr. Museum aka Mr. Aka
pour
son projet de performance Art thoughtz
«JUST LIKE TUPAC, THIS EPISODE OF ART THOUGHTZ IS STRICTLY 4 MY NIGGAZ.»
crédit : paw
Hennessy Yougman avise le web 2.0 des manières les plus ingénieuses pour « être un artiste à succès. Tout en avançant l’argument qu’il faut être blanc pour vraiment réussir, il ajoute en aparté, que ça pourrait ne pas s’appliquer aux Noirs car si « un nègre peint une fleur, ça devient une fleur de l’esclavage, une fleur de l’Amistad » (Claudia Rankine in Citizen – Ballade américaine)
approximativ. : « If you’re a white man you want paint a flower People see the painting of flowers they like Wow it’s a pretty ass of a flower it’s a motherfuck flower Nigger paint flowers it become slavery flower u know flower of Amistad something you know Bitch paint some flower it become a metaphor of a vagina it’s terrible u know be a white man grace you of universality, actually it’s natural way of naturally you making shit u know »
« WHITE MALE FLOWER
A pretty ass painting of flower.
Value derived from its formal attribute
NIGGER FLOWER
Signified for institutionalized racism and oppression
Instantaneously a critique of power. »
ce que cache une simple fleur de coca sous couleur d’universalité c’est tout son ingénierie d’écologie coloniale et anti-noir.
sa monoculture en Colombie et surtout la traite humaine qui frappe les corps noires pour la plupart des femmes (mais il y a quelques hommes ; les conceptions de la masculinité afrohype sont secouées un peu là)
Avaler des boulettes de soie et les garder durant 10-12 heures.
la coke a plusieurs surnom populaire par ex. « la coco » mais son nom le plus foudroyant et le moins connu est « la dame blanche »
durant l’esclavage, les femmes noires servaient de nourrice pour les enfants blancs de leur maîtres et maîtresses
elles étaient même forcé de leur donner le sein, ce qui était vécu comme le vol du lait dédié à leur propre progéniture
Toni Morrison l’évoque de manière terrifiante dans son roman Beloved « ils m’ont pris mon lait » — ce fluide étant l’une des dernière productions bénignes du corps noires hormis lacrymale, séminale, ovulaire, fécale, urinale.
maintenant, l’asservissement au yovogah (le bomdage et la traite des humanités noires par la cruauté (dah) des blancs (yovo en langue)) se poursuit,
aux Antilles-Guyane, en transportant des « dames blanches » dans le ventre d’un bateau ou dans son ventre de chair noir comme des nourrices-esclavisées au risque que ces dizaines de cocons explosent à l’intérieur de l’estomac entraînant un’ mort certaine.
cela atteint aussi les humanités noires en métropoles qui revendent la marchandise quitte à se faire soulever ou tuer par des porcs pour le plaisir d’une clientèle blanche bourgadière (les col blancs=néo-colons à distance) prêt à snifer une-deux-trois traces pour une centaine d’€.
CONCENTRONS NOUS !
Emile n’a pu visiter que trois-quatre des lieux d’expo de la Biennale :
crédit : Emile et paw
ANCIENNES USINES FAGOR MacLYON MUSÉE GUIMET JARDIN DU MUSÉE DES BEAUX-ARTS LUGDUNUM – MUSÉE & THÉÂTRES ROMAINS LPA RÉPUBLIQUE MUSÉE D’HISTOIRE DE LYON – GADAGNE MUSÉE DE FOURVIÈRE URDLA – VILLEURBANNE et PARC DE LA TÊTE D’OR, CHÂLET DU PARC
c’est jà bien ! vu le nombre de image que j’ai reçu en temps réel.
la premier expo Les nombreuses vies et morts de Louise Brunet
est ingénieuse, les textes qui accompagne cette « installation artistique »
sont bien écrits on dirait le style des étudiants en cours de creative writing
ce qui trappe avec cette expo-installation c’est le fond et la force
je reviendrais sur les choix des oeuvres et leurs cas d’école
crédit : Emile et paw
l’expo tentent de diagrammer l’histoire de Louis Brunet « une fileuse de soie qui vécut à Lyon, et qui, semble avoir rejoint la révolution des « Canuts » (tisseurs de soie) en 1834 ».
ce faisant, Louise se téléphone « sous différentes formes binaire, à la fois réelle et fictive, en explorant diverses manifestation de la fragilité dont les luttes furent oubliées ou passés sous silence en divers lieux et à plusieurs moments de l’Histoire avec une grande H-ache. »
rien à redire à cela
alas on pourrait même adapter le scripte pour un’ série Netflix — au pire çà fait penser au film tout naze : Everything Everywhere All at Once – Dans une autre vie — acclamé par la critique
ce genre de scénarii sont utilisés selon la sociologue, SamBourcier, dans l’une des idéologies dominante qu’elle appelle « le management de la diversité »
une politique de contrôle de la visibilité des minorités raciales, sexuelles et de genres portées par la gauche républicaine et menées par des entreprise culturelles comme Netflix
Cela prend forme par ex. dans les séries pour ado afin de tirer le max de valeurs monétaires coloniales patriarcales nationale suprémaciste blanche
en surplus l’idée d’histoire ici est has been — elle resuçe le postmodernisme FR — et ne pratique que de façon managériale le postcolonial sous lean
très loin du décolonial militant noire et
à des années-lumières de l’afropessisme
La conception de le histoire et des histoires proposé par les deux MCs sont de l’ordre d’une préhistoire carno-antropo-logo-centrique qui n’a pas même franchit la ligne de couleur du siècle vignt pourceque Brigitte (Macron) femme de flic du tout premier ministère est la première consultation doc !
« IL A ÉTÉ PENDU CE MATIN
À L’AUBE UN NÈGRE COUPABLE
D’AVOIR VOULU FRANCHIR LA
LIGNE »
— L.G Damas
Le personnage principale que j’appelle LOUISE 14Pro n’a pas de
futurs — pour faire simple
sa borne historique est limité de [1834, à notre instant t ]
LOUISE 14Pro n’a pas d’intervalles ouvert comme par exemple ]1, +∞ [
selon le matheux GottlobFrege (voir. la physique quantique)
« zéro » et « un » tels des noms propres de nombres, peuvent avoir des définitions imprédictibles
la mort, le un ; la vie, le zéro
— je ne parle même pas de la géographie, y pas de rêves ni d’étoiles
dorées
l’image culturelle de Lion qui me frappe le plus souvent c’est le tableau de Marie de Médicis et Henri IV à Lyon — La Marie de Médicis 1622-1624 de
Pierre Paul Rubens
LOUISE 14Pro est ce modèle d’intégration iconologique survolant les terres du 669
comme la roturière italienne avant que son gosse Louis XIII légalise la pratique de la traite négrière en 1642 cf. mes ancêtres esclavisé*es !
crédit : Louvre
بيروت,
Emile m’a rapporté un comment’ d’un guichetier sur l’expo suivante dans le bâtiment du macLyon : « Beyrouth et les Golden Sixties n’est pas très interessante. Ça parle du Liban » = pas assez exotique
j’ai tout de même été surpris par l’absence de personnels de sécu noirs ou de médiatrice*eurs racisé*es dans les vidéos que j’ai reçues — est-ce une politique de sous-traitance seulement parisienne—voire d’IDF ?
crédit : Emile et paw
le travail d’archive-va-ti’can peut également nous trompé dans le deuxième volet de *Manifesto o’ fragility* (Mofo = NTM (Marianne noire et blance))
les archives des affiches ou catalogues d’exposition au Liban et dans sa diaspora sont une forme de contrôle préfectoral du pouvoir/savoir comme l’a pensé DeuleuzesansGuattari à partir de l’oeuvre de Muzil dans ces cours à pAris 8 — le prof de philo conseillait « un trait diagrammatique ou un trait de diagramme »
ouverts au sous-monde
au lieu de « Donc, vous voyez, si je dis : imposer une tâche à une multiplicité peu nombreuse dans un espace fermé, ou si je dis : contrôler les événements principaux d’une multiplicité nombreuse dans un espace ouvert, si je dis ça, je donne des catégories de pouvoir. En revanche, je dis : punir, éduquer, faire travailler, enseigner etc. etc., je dis tout ça, je dis : ce ne sont pas des catégories de pouvoir, ce sont des catégories de pouvoir/savoir. »
mon couz ne m’a pas send beaucoup de photos d’œuvres de cette exposition
je peux le comprendre
ces objets d’art sont exposés comme des archives ou source dont les « fonctions [ont été] formalisées et des matières [sont] formées. Matières formées, c’est : écolier, ouvrier, prisonnier. » pour le contexte et l’objectivation d’une histoire culturelle pan-arabique tremblante et
celle micropolitique de Beyrouth بيروت, de [1950, cos( 𝓍 + contemporain postcolonial)]
faisant de cette ville,
« en soi, un manifeste de la fragilité »
or c’est dommage qu’il n’y ait pas d’écologie dans l’expo pour les luttes tiers-mondistes —
le Liban a participé en 55 à la conférence de Bandung en Indonésie.
ma playlist : LP2 LA HONDA 19 FREEZE CORLEONE MAARLO SB LA F. JSX GAZO GREEN MONTANA SO LA LUNE KEN VYBZ CAMEO KILLI JOZZI KIMA KERCHAK ICE SPICE SAAMOU SKUU MALTY 667 x 669 2BZ ZOLA LALA &CE MENACE SANTANA LA FÈVE 137 SKWAA SKENG FELA 42DUGG KNUCKS COCHISE BIA $NOT YANN CLÉRY Ministère A.M.E.R BU$HI KING VON 1MPLIK140 PLAYBOI CARTI NINA SIMONE MILES DAVIS JOEY DABA$$ AYA NAKAMURA 21 SAVAGE A$AP MOB !
il est midi et des poussières. Emile a traversé les expos du MacLyon en
quelque heure
il poursuit le Mofo vers sa dernière séquences Un monde d’une promesse infinie
la plus conséquente elle regroupe une centaines d’artistes de plusieurs péyi se
déployant sur onze plateaux incarnant dixit « les cycles de notre fragilité universelle » lol www.be-a-white-man.com grace you of universality, actually it’s natural way of naturally you making shit u know
çà va aller plus vite car le propos est identique
et puis, il n’est allé qu’au
MUSÉE GUIMET (le bâtard a prix un Uber) ANCIENNES USINES FAGOR
☛
hé je craint qu’un texte de critique d’art ne consent point pour fin l’expliquation in fine des tenant et aboutissants d’un événement art-tische-tique
et de ses secrets
alors,
j’écrivoque, je sors de l’oeil d’Èsù
— et ce qui me rend fort marri — c’est le volume « d’oeuvre art contemporain et historique, de nouvelle commandes in situ et de nombreux objets » qui épousent là l’hégémonie idéologique
de la suprématie blanche (homicide racisme)
L’atmosphère de ruines (usine désaffectée, musée abondonnée, jardin à l’anglaise)
qui nimbe ce thème de fragilité peut s’envisager intellectuellement
cependant il se dégage
par la présence d’oeuvre ancien’ non contextualisée une hiérarchie
la fragilité blanche (white fragility tiré du livre éponyme) étant le canon souverain
selon oim de cette atmosphère raciale dans le Mofo au même vue que la théorie faciale de Petrus Camper
étayé par les travaux de l’historien de l’art
Winckelmann (1717-1768) qui érigea un idéal grecque de
beauté masculine
permettant à Camper de griffonner un système de mesures de l’angle crânien à partir de singes (58° pour l’orang-outang) puis des nègres (70°) jusqu’au profil d’un « moulages de statues romaines (95°) et grecques (100°) », le mâle européen ayant (80°) sur cette échelle de l’évolué.
Pour le scientifiques patriarche, les ouvertures faciaux « de moins de 70° correspondaient aux museaux des mammifères. Les individus étaient soumis à des angles faciaux variés. La ligne faciale du bébé dont les dents n’étaient pas encore sorties accusait un angle de 95° ; chez l’enfant d’un an, il s’élevait à 100° »
crédit : L’Invention de la race. Des représentations scientifiques aux exhibitions populaires.
Les effets de cette lois de l’histoire naturelle masculiniste influencé par Buffon ne se trouve pas en quarantaine, comme on pourrait s’y attendre, au musée Emile Guimet, ancien Museum d’histoire naturelle de Lyon (1914-1968),
mais sa diffusion raciale anti-noire s’oxygène de manière mondiale,
les espaces de la biennale de Lyon ne pouvant être immunisé par un quelconque vaccin, contribue plutôt à la propagation de ce trauma somatique et phylogénique
« cette position mesure/outrance qui sert aussi dans le champ de l’art ancien avec le binôme classique/baroque et la soi-disant réticence française au baroque sera vouée à de beaux jours dans nombre de manuel d’histoire de l’art. La mesure caractérisant l’art français à travers le temps, permet de le différencier et d’en assurer la supériorité. »
Il serait nécessaire d’analyser la notion de mesure à partir des théories compassées du baroque chez Glissant et de Deleuze telles deux faces d’une même pièce qui ne se détache point de l’idéologie racialiste de l’histoire de l’art
crédit : Emile et paw
La présence de reproductions décrépies de momies et de medu-netjer en toile peinte pour diversifier les formes de fragilité des civilisations passées ne fait que de racialiser davantage la situation de l’événement puisqu’il n’est jamais fait mention des origines nègre de l’Egypte étudié par le Cheik Anta Diop et
du vol de l’histoire par l’occident
des racines kémites-asiatiques des cultures philohéllènes
par ailleurs, ses reproductions perpétuent l’illettrisme
et l’orientalisme au tour de cette écriture sacrée ayant pris naissance au bord
du Nil Noir
J’ai été troublé par la volition et la frivolité par lesquels les deux MCs ont investi le mobilier en bois du muséum censé présenter et classer des spécimens dans plusieurs armoires vitrée ceint au mur —
cela m’avait paru neuf tout d’abord de placer les oeuvres de Zhang Yunyao
sur la pratique du BDSM à l’intérieur
crédit : de l’artiste
Faisant le tour grâce à la video envoyé par Emile
mon attention est captivé par un’ armoire vide et pas éclairé
on peut y lire sur un cartel de l’autre coté de la vitre
Les primates singes antropoïdes
et puis
tout mon enthousiasme s’efface —
l’investissement de ce bâtiment ne me semble plus qu’une
boulimie curatoriale mal digéré
j’ai arrêté depuis de me convaincre qu’ils ont laissé cet objet culturel
en l’état pour signifier que sapiens sapiens sera bientôt exposé comme tel
dans un’ grand armoire où il serait inscrit : primates sapiens negrocène
le peu de culture (prendre soin) autour de cet objet clef parmi tant et tant
à radicaliser mon acuité
à observer cette événement comme l’empreinte archéologique —
de la fragilité anti-noire
Pour RobinDiangelo l’autrice de White fragility, la fragilité « constitue quant à elle un mécanisme de défense permettant de refuser d’endosser le costume du dominant et ainsi de profiter, sur le plan rhétorique, d’une position imaginaire de victime. La fragilité blanche qu’expose DiAngelo peut être plus ou moins inconsciente ou tactique selon les cas. »
ici y a de l’évitement martiale sinon pour quoi laisser le signifyin’ monkey
rater ad vitam æternam « l’œil dérobé » que nomme ainsi Sanglis :
« l’œil dérobé vient à méfait / le laps des ans nous a paru d’éternité / il n’est que de nos mots l’amas dénudé, fol »
en surplus de la damnation de la couleur de leur peau, les connotations biologique de singerie s’est imposée au corpse/core/corps/qore noirs
encastrés dans un’ grande armoire portative de mise à mort
iels luttent tant bien que mal à renverser noirement, cette injure
— signifyin’ monkey peut se traduire par si(n)g(n)er le singe (l’emmêlement de signe « sign » et singe « monkey ») cette pratique séculaire tente par plusieurs techniques d’avoir le dessus sur un stigmate ou un adversaire
ainsi le hic est présent
dès la sélection des oeuvres et leurs scénographies
qui s’évertuent à exposerune fragilité blanche
dominante et destructrice
allons même jusqu’à rêver de manière eschatologique ou ambiguë
leur privilège pervers
crédit : Emile et paw
ils sont tombé dans un lieu commun nocif où les sculptures ancien’ nimbé de connotations racistes et idéologiques les dépassent ! Il aurait pu travailler la fragilité avec les collections du musée des africain de Lyon — ou bien avec le voyage de Martin Luther King dans la ville
en conséquence, sont confiné à un’ vision édulcorée,
les oeuvres d’ontologie non-blanc
soit ceux des artiste noir-es exposé-es
qui se comptent ici sur le doigt d’une main
noirx selon la variation actuelle de
la ligne de couleur que semble ne pas voir les 2 Mcs
ielles sont damné-es à faire du théâtre grec ou à vouloir jouer le personnage noir d’un’ pièce racialiste de William Shakespeare
« Et puis tu vois, y a rien qui m’attend ici que la misère pour du profit… Y a un vivier d’talent dans ma ville, mais on est voué à destin tragique
C’est la jungle, c’est le zoo ici que des fous, ça ressemble à l’asile…
J’ai pris un CDI au studio, j’me vois pas finir à l’usine…
Tout pour le gang, tout pour l’putain bastion »
iels pourront jamais jamais comprendre gars —
cimer Big la F pour ta vibe. mon « objectif n’est pas de valoriser « la mentalité de la rue » » mais de mener un pouvoir radical noir pour scéller la blancheur et ses séquelles car sa destruction est un leurre
tout en sachant que cette esprit de la rue « est à l’origine d’une destruction généralisé » de la communauté noire comme l’édit le psychologue Bobby E. Wright parallèlement à la mentalité d’élite « de nos frères et soeurs diplômés de grandes avec des honneurs, qui font parties des Noirs les plus dangereux au monde et agissant contres les intérêt des Noirs, parce qu’il ont une orientation eurocentrique » — Aho
PAW is PAWER, même dans l’évent, PAW is till <3
ici c’est l’OM fuck Paris et l’OL
Téléphone :
Amzat Boukari-Yabara — Walter Rodney, Un historien engagé, 1942-1980
Bancel, Nicolas, Thomas David, et Dominic Thomas — L’Invention de la race. Des représentations scientifiques aux exhibitions populaires.
Sam Bourcier — Homo Inc.orporated : Le triangle et la licorne qui pète
L.G Damas — Black Label
Webdeleuze — Sur Foucault le pouvoir
Toni Morrison, BLVD
Anne Lafont, L’art et la race : l’Africain (tout) contre l’oeil des Lumières
Kevin Quashie — The Sovereignty of Quiet: Beyond Resistance in Black Culture
Klah Popo — Yovodah Et Panafricanisme. Résister Pour Survivre. S’unir Pour Renaître
Claudia Rankine — Citizen – Ballade américaine
Art thoughtz
Ministère A.M.E.R — Brigitte femme de flic
Antonio Gramsci — Cahier de prison
Bobby E. Wright — La Personnalité Raciale Du Psychopathe Et Autres Essais
Èsù : dieu noir de l’interprétation dans la tradition Yoruba au Dahomey et au Nigeria, au Brésil et à Cuba, en Haïti et à la Nouvelle-Orléans. Esu est un forme actualisée du dieu égyptien, Djehouty (Thot en grec ancien).
Marine Bellégo, Enraciner l’empire, une autre histoire du jardin botanique de Calcutta (1860-1910)
….
PAW (Paul-Aimé WILLIAM) : Membre de la revue AFRIKADAA et doctorant en histoire de l’art de la Guyane (EHESS & IMAF).
